Diego Miguel²

reFLExões sobRE O FAzer

2011-10-10T17:48:00.000-07:00

por Diego Miguel

O que é a arte, senão o concreto daquilo que muitas vezes quero dizer e me falta a coragem?

Para os fracos que se envergonham e temem, e também para os fortes que enfrentam suas fraquezas; a mesma arte!

Quando olho para dentro, vejo caminhos obscuros que teimam em permanecer calados com medo do enfrentamento, mas também vejo a necessidade de desabrochar o sublime, o etéreo que permeia as relações, a minha vida, coisas que carrego e que não se traduzem em palavras.

É o modo de ver o mundo, por ângulos ousados e desfocados, muito além do belo.

O que a arte te provoca?

É sinestésico, sutil, muito além da visão, do racional.

Ousar, permear por caminhos novos. Se permitir o acesso às sensações, livrar-se do peso cotidiano das limitações e dissabores.

Ouvir-se, enxergar-se, sentir-se, comer-se...

O que é a arte se a hipocrisia de quem a produz é para agradar o outro, dando sentindo ao outro e não a si mesmo?

A arte se comunica com o mundo quando está latejante, entre a pele e os pêlos.

(...) os azulejos combrem a parede, mas nunca a memória; revisitando minha história, e percorrendo por um caminho já trilhado, revendo cores, amores e poesias (...)

Um dia serei um artista.

a beLEZA De hoPPEr

2011-10-10T17:35:00.001-07:00

Edward Hopper, artista americano que buscou através de sua obra visitar a beleza solitária das cidades. (1882-1967)

Nighthawks

Summertime

Summer interior

Morning sun

Chair Car

MUNch

2011-10-10T17:17:00.000-07:00

“Caminhava com dois amigos pelo passeio, o sol se punha, o céu se tornou repentinamente vermelho, eu me detive; cansado, apoiei-me na grade – sobre a cidade e o braço de mar azul-escuro via apenas sangue e línguas de fogo -, meus amigos continuaram a andar e eu permanecia preso no mesmo lugar, tremendo de medo – e sentia que uma gritaria infinita penetrava toda a natureza.”

Edvard Munch, sobre "O Grito" 1893

aDEUS AMy

2011-07-23T19:48:00.000-07:00

A música contemporânea perdeu um grande ícone, uma voz que passou rápido, mas permanecerá na história!

roDRIgo brAGA

2011-07-16T07:58:00.000-07:00

A ousadia contida nas obras de Rodrigo Braga é que torna esta, uma arte interessante e reflexiva.

Artista nascido em Manaus e radicado Pernambucano, dedica sua arte à fotografia e todas as possíveis manipulações deste material para provocar a reflexão de temas que são pertinentes na contemporaneidade.

Mais força que o necessário, Série - 2010

Comunhão, Série - 2006

Risco de Desassossego, Série - 2004

Confira mais sobre o artista, CLIQUE AQUI!

piNACOteca

2011-07-12T06:17:00.000-07:00

duCHAMP

2011-07-09T09:17:00.000-07:00

Fonte (1917)

* fotos de Diego Miguel²

MAM 2008

Roda de Bicicleta (1913)

"Pode alguém fazer obras que não seja 'de arte'?"

Marcel Duchamp - 1913

acQUArelas

2011-07-09T08:53:00.000-07:00

*obras de Diego Miguel²

Série de pintura aquarelada realizada no primeiro semestre de 2011, baseadas em obras dos consagrados artistas: Constable, Turner, Monet e Cezanne.

a arTE E O MEio ambiENTE

2011-07-09T08:20:00.000-07:00

Considerando a relevância da aplicação de temas transversais nas atividades propostas em grupos de idosos, segue abaixo uma proposta do projeto de esculturas contemporâneas desenvolvido em um serviço de referência de cidadania da pessoa idosa no ano de 2007 na cidade de São Paulo.

MUNICÍPIO: São Paulo
PÚBLICO: Idosos
PROJETO: OFICINA DE ESCULTURAS CONTEMPORÂNEAS
AUTOR: Diego Miguel

CONTEÚDOS GERAIS EM ARTE VISUAIS:
• Conhecimento básico da História da Arte/ Esculturas - do clássico ao contemporâneo.
• Apreciação das obras de artistas relevantes no cenário contemporâneo.
• Produção de papel maché.
• Experimentação da técnica de modelagem em papel maché.
• Utilização de materiais bastardos e recicláveis na criação de esculturas.
• Valorização da criação pessoal e coletiva.

CONTEÚDOS GERAIS PARA O MEIO AMBIENTE – TEMA TRANSVERSAL
• Identificação dos principais problemas ambientais causados pela poluição.
• Verificação das ações locais para a preservação do meio.
• Prática de ações conscientes.

ATIVIDADE 01

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
VÍDEO: Uma Verdade Inconveniente
An Inconvenient Truth, 2006, Dir.: Davis Guggenheim
OBJETIVOS:
• Refletir sobre os problemas ambientais atuais e sua progressão.
• Refletir sobre ações possíveis de preservação do meio ambiente.
• Conhecer a importância da reciclagem para a regularização das ações climáticas.

DESENVOLVIMENTO:
Apresentação de trechos do documentário “Uma Verdade Inconveniente” e discussão dos temas abordados:
- Atuais alterações ambientais (clima, poluição, água).
- Prática dos 3 R’s: Redução de Consumo, Reaproveitamento e Reciclagem.
- Durabilidade dos materiais inorgânicos.
- Ações cotidianas que fazem a diferença na preservação do meio.
MATERIAIS NECESSÁRIOS: Texto de apoio, TV e Aparelho de DVD.

ATIVIDADE 02

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
APRESENTAÇÃO DE SLIDES: História da Arte - do Renascimento à Contemporaneidade
OBJETIVOS:
• Apresentar a trajetória da arte em seus diferentes movimentos.
• Apreciação de Obras Artísticas.
• Conhecer o universo da arte contemporânea e seus conceitos.
DESENVOLVIMENTO:
Será apresentado ao grupo slides sobre os principais movimentos artísticos em sua diversidade técnica, do Renascimento ao Contemporâneo, proporcionando momentos para leitura de obras.
MATERIAIS NECESSÁRIOS: Texto de apoio e Datashow.

ATIVIDADE 03

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
EXPERIMENTAÇÃO COM PAPEL MACHÉ
OBJETIVOS:
• Apresentar a técnica de papel maché.
• Experimentação técnica.
DESENVOLVIMENTO:
Será apresentado aos alunos como fazer o papel maché, e a aplicação de diferentes tipos de papéis (reciclagem) para a possibilidade de texturas diversificadas. Todos alunos farão suas massas e experimentarão livremente formas figurativas ou abstratas, assim como texturas diversificadas, para a criação de uma escultura.
MATERIAIS NECESSÁRIOS: Papéis de diferentes texturas (jornal, revista, folhas de caderno, sulfite), cola branca, cola caseira, farinha de trigo, liquidificador, peneira, palitos de sorvete.

ATIVIDADE 04

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
PROJETO DE ESCULTURA COM MATERIAIS BASTARDOS/ RECICLADOS
OBJETIVOS:
• Criar um projeto de escultura.
• Explorar conceitos da arte contemporânea, tais como: equilíbrio, texturas, contrastes, formas.
DESENVOLVIMENTO:
Cada aluno deverá fazer um desenho de uma escultura que gostaria de criar tridimensionalmente. Considerando os conceitos da arte contemporânea e da valorização do processo criativo. Nesta atividade, deve-se levar referências de esculturas contemporâneas para facilitar a inspiração da criação.
Após a criação dos desenhos, os alunos deverão pesquisar materiais bastardos ou reciclados, utilizados cotidianamente, que pudessem compor o “esqueleto” de sua escultura, contribuindo com sua forma e seu volume (tridimensionaliade).
MATERIAIS NECESSÁRIOS: Papel sulfite, lápis, borracha e imagens de referências.

ATIVIDADE 05

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
MONTAGEM DO PROJETO
OBJETIVOS:
• Estimular o reaproveitamento de materiais bastardos e recicláveis.
• Criação do conhecimento técnico na composição da forma e equilibrio.
DESENVOLVIMENTO:
Cada aluno deverá montar através da “junção” de diferentes materiais inorgânicos (recicláveis) o “esqueleto” de suas esculturas, baseando-se no desenho da aula anterior, considerando suas formas e equilíbrio.
MATERIAIS NECESSÁRIOS: Materiais inorgânicos diversos (levados pelos alunos, conforme a pesquisa da aula anterior), fita crepe, arame e durex.

ATIVIDADE 06

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
ESCULTURAS EM PAPEL MACHÉ
OBJETIVOS:
• Explorar a modelagem para aperfeiçoar as formas sugeridas no “esqueleto da escultura” - junção dos materiais utilizados.
DESENVOLVIMENTO:
Cada aluno deverá fazer o papel maché, conforme orientado e vivenciado na aula 03, e cobrir a superfície de sua escultura, modelando-a conforme seu projeto inicial (desenho), fazendo que as formas do “esqueleto” montado pela junção dos materiais inorgânicos estejam agregadas aos outros materiais. É importante nesta fase, a orientação individual do professor à cada projeto, para que sejam exploradas as diferentes texturas e formas.
É importante que as peças revestidas fiquem em lugar arejado e iluminado, para inibir a presença de fungos no processo de secagem.
MATERIAIS NECESSÁRIOS: Os mesmos da aula 03 e 05.

ATIVIDADE 07

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
ACABAMENTO E PINTURA
OBJETIVOS:
• Pintar as esculturas, explorando as cores e contrastes.
DESENVOLVIMENTO:
Os alunos poderão pintar suas esculturas considerando as cores e contrastes (conforme aprendido anteriormente nas aulas de pintura), considerando ainda as cores utilizadas nas obras contemporâneas que inspiraram sua criação.
Também poderão utilizar verniz para manter a originalidade das cores obtidas pela mesclagem dos papéis utilizados.
MATERIAIS NECESSÁRIOS: Cola branca, pigmentos coloridos, verniz, pincéis e esponjas.

ATIVIDADE 08

TEMPO DE OFICINA: 02 horas semanais
MONTAGEM DE EXPOSIÇÃO E DEBATE
OBJETIVOS:
• Mensurar junto ao grupo, as ações realizadas durante a oficina: Meio Ambiente e Escultura.
• Contribuir com a socialização destas experiências.
• Promover um debate sobre as ações sustentáveis que cotidianamente podemos adotar em benefícios do meio ambiente.
DESENVOLVIMENTO:
Será montada uma exposição dos trabalhos realizados e haverá a mediação de um debate sobre toda experiência obtida nos encontros, do olhar técnico proposto pela modelagem artística ao olhar ambiental, das ações cotidianas que podem contribuir com a diminuição do lixo inorgânico.

REGISTRO REFLEXIVO

A Arte Contemporânea, dentro de sua complexidade e subjetividade, propõe ao artista a valorização do empírico, do processo criativo, trabalhando com a desconstrução dos conceitos estéticos tradicionais, e ao mesmo tempo, utilizando-os na busca de uma nova experimentação.

A proposta da Oficina de Esculturas Contemporâneas, para o grupo de idosos, tem o objetivo de aproximar este público dos novos conceitos artísticos, pois na maioria das vezes, estes são preenchidos por pré-conceitos tradicionais, distanciando-os da contemporaneidade.

O Papel Maché, enquanto técnica utilizada, propõe a criação de um elo com o tema transversal trabalhado, considerando os atuais danos ambientais causados pelo uso indevido dos recursos naturais e pelo descompensado descarte de lixo inorgânico em nossa sociedade, o que contribui com o aumento da poluição, e no seu acúmulo, os desastres ambientais enfrentados atualmente.

A apropriação dos conceitos artísticos e dos meios de preservação do meio ambiente contribuiu de forma eficaz para esta vivência com idosos, quebrando os paradigmas tradicionais e criando uma nova possibilidade de criação artística conceituada na sustentabilidade planeta, como defendido por vários artistas contemporâneos, mencionados no segundo encontro.

A criação das estruturas, “esqueletos” das esculturas, permitiu a observação das formas e volumes que compõem as embalagens (de plástico, papelão, vidro, etc) e na junção destes para a composição de uma única peça.

Esta foi a maior dificuldade encontrada pelo grupo, pois a desconstrução da funcionalidade destas embalagens, visando a construção de um novo olhar para as formas que estas constituem, agregando-as, foi o desafio à criatividade e a percepção de todos.

Apesar do passo a passo para a execução desta atividade, cada aluno possui seu próprio ritmo.

É importante que o orientador tenha esta percepção e possa estimular a cooperação no grupo, no qual cada um possa ajudar e contribuir com a execução do trabalho do colega, considerando suas idéias e criatividade, algo que aconteceu espontaneamente neste grupo, considerando o tempo que já se conheciam.

Na fase de acabamento das esculturas, no processo de modelagem com o papel maché, todos alunos perceberam as diferenças em aderência, conforme a superfície aplicada, principalmente no alumínio e vidro, o que possibilitou a busca de novas alternativas para que a superfície se tornasse receptiva à massa, algo que relacionaram com a alta durabilidade deste material quando jogado ao meio ambiente (alumínios e vidros são mais resistentes ao tempo).

No debate final foram lembrados cada encontro, e relatados como se deram estas experiências.
Segundo a Sra. M.A., 71 anos, ela não consegue mais jogar uma garrafa pet no lixo, suas formas arredondadas contribuem para lindas formas de mulheres com longos vestidos.

Já o Sr. J.C., 62 anos, prefere explorar os materiais encontrados em caçambas e lixos de construções, diz ainda que as pernas de mesas, muitas vezes encontradas nas ruas, podem ser reestruturadas com o papel maché e formarem formas geométricas como as obras de artistas da

Bauhaus.

kraJCBERg

2011-07-07T04:25:00.000-07:00

GUARDIÃO DA FLORESTA

por Maria Hirszman - O Estado de S.Paulo

Com uma vitalidade impressionante para quem acaba de completar 90 anos, Frans Krajcberg desembarcou em São Paulo no fim de semana para montar sua terceira exposição individual do ano. Depois da grande mostra no Museu Rodin, em Salvador (em cartaz até dia 17), e de evento similar organizado pelo museu da Fundação Yves Rocher na Bretanha (França) é a vez de o Museu Afro Brasil realizar uma dupla celebração, comemorando simultaneamente o aniversário de um dos mais importantes escultores brasileiros do século 20 e o Ano Internacional das Florestas, iniciativa comandada pela ONU.

Trata-se de mostra enxuta, mas que consegue sintetizar o teor combativo e a força visual das criações desenvolvidas pelo artista há décadas em torno das queimadas, do descaso com as florestas, da incapacidade da sociedade de proteger seu patrimônio natural e humano.

Mais do que comemorar o aniversário ou revelar seu vigor criativo, a intensa agenda de exposições tem um objetivo claro: dar continuidade a uma estratégia aguerrida de denúncia e combate aos crescentes e reiterados abusos contra o meio ambiente. "Aqui vai se ver o fogo das árvores", afirma Krajcberg, que acaba de ser homenageado também com o 6.º Grande Prêmio de Enku, concedido pela prefeitura de Gifu, no Japão. A entrega está prevista para o dia 10 de fevereiro, quando terá início uma exposição das obras dos premiados.

Sem interesse em falar sobre sua obra do ponto de vista estético ou artístico, Krajcberg centra fogo sobre aquele que é seu principal foco de indignação e protesto nas últimas semanas: a aprovação pela Câmara dos Deputados do projeto do Código Florestal. E anuncia em primeira mão que está envolvido com a organização de um tribunal internacional contra o Brasil pelos crimes cometidos contra os índios e a Amazônia, a ser instaurado provavelmente no próximo ano. "A ONU está celebrando o Ano Internacional das Florestas enquanto o Brasil é campeão de desflorestamento. É revoltante a aprovação de um projeto como esse e houve uma forte reação da comunidade internacional, mas aqui no Brasil nem se falou da imagem negativa que isso gerou", afirmou ele, alertando que os protestos estão apenas por começar. "Por que o Brasil ignorou o Ano Internacional da Árvore, por que os deputados votaram para destruí-las?", pergunta ele em meio ao conjunto impactante de fotografias de queimadas que realizou nos últimos anos no Norte e Nordeste.

Além das fotografias e backlights com imagens da queima da natureza - aquela que Krajcberg considera responsável pelo seu renascimento, depois das trágicas experiências que vivencia na Europa durante a Segunda Guerra -, a mostra também reúne relevos construídos com destroços de madeira, troncos retorcidos e destroçados que o artista resgata e transforma em elemento plástico de grande impacto visual; uma seleção de quatro documentários feitos sobre a sua vida e obra por cineastas como Walter Salles Jr. e Stéphane Bohi, e duas esculturas de grande porte. Uma delas jamais foi exposta.

Realizada para a frente do espaço Frans Krajcberg que seria criado no Parque do Ibirapuera pela Prefeitura de São Paulo, a obra é como um brado, um desabafo da natureza. Lembra uma grande árvore repleta de gigantescos espinhos tingidos de vermelho. Passou anos empacotada à espera da decisão da Justiça, já que a iniciativa de criar o espaço enfrentou a resistência dos moradores do bairro. Apesar de a Prefeitura ter obtido ganho de causa até o momento, o projeto foi definitivamente arquivado.

"A lição de Curitiba já foi muito humilhante", desabafa ele se referindo ao descaso com que as 110 obras que doou à prefeitura da capital curitibana foram tratadas após a alternância de poder. Segundo ele, seus trabalhos estavam em péssimo estado de preservação e conservação e celebra que finalmente conseguiu da Justiça o direito de tê-las de volta, supostamente para restauro, mas dificilmente Krajcberg autorizará seu retorno.

A abertura de novos espaços de exposição, debate e conscientização parece ser um de seus grandes objetivos. Sempre que é indagado sobre o caráter plástico de sua produção, ele desconversa, demonstrando que cada vez mais considera arte e vida como algo totalmente amalgamados. "Só o que é ecológico me interessa", desabafa ele que está em negociações com o Museu Guggenheim/NY, em torno de um novo espaço para divulgar sua obra já que, infelizmente, as iniciativas no Brasil têm se mostrado inviáveis.

Todos os planos, com exceção do da Bahia, enfrentam problemas. A opção por projetos locais - que se somariam ao museu que já leva seu nome na capital francesa - se deve a motivos óbvios. Não bastasse o fato de o Brasil bater tristes recordes de devastação ambiental e "esquecer que nessas florestas vive um povo, o indígena", foi graças à natureza brasileira que Krajcberg diz ter nascido uma segunda vez. "A natureza soube me dar a força e me deu o prazer de sentir, pensar, trabalhar e sobreviver."

Quando o artista desembarca por aqui, em 1948, já havia enfrentado os horrores da Segunda Guerra, visto sua família ser dizimada pelos nazistas e via com olhos extremamente críticos os rumos da dita civilização europeia. Veio parar por aqui ao acaso, por intermédio de um amigo que lhe foi apresentado por Marc Chagall. Desembarca em meio a uma grande efervescência cultural, participa da 1.ª Bienal de SP, convive com importantes artistas locais, como Sergio Camargo e Volpi. Mas é do contato com a natureza, a paisagem, a matéria orgânica que extrai energia e inspiração, seja nas florestas paranaenses, na Amazônia, nas montanhas de Minas Gerais ou nos mangues baianos.

QUEM É FRANS KRAJCBERG?

ARTISTA PLÁSTICO

Nascido na Polônia (1921), estudou artes e engenharia e mudou para o Brasil em 1948. Mantém desde os anos 1960 um sítio e ateliê em Nova Viçosa (BA) onde está sendo construído um espaço dedicado a sua obra e coleção.

SERVIÇO:

FRANS KRAJCBERG
Museu Afro Brasil

Av. P. Alvares Cabral, s/nº, Pq. do Ibirapuera,

fONE: 3320-8900. 10h/17h (fecha 2ª).

Grátis. Até 6/11.

07 de julho de 2011 0h 00

Maria Hirszman - O Estado de S.Paulo

carTA ÀS futURAS GERAções

2011-05-01T08:25:00.000-07:00

*Flutuação - obra inspirada na carta às futuras gerações

clique na imagem acima e conheça o processo atístico

por Ilya Prigogine

Escrevo esta carta na mais completa humildade. Meu trabalho é no domínio da ciência. Não me da qualquer qualificação especial para falar sobre o futuro da humanidade. As moléculas obedecem a ''leis". As decisões humanas dependem das lembranças do passado e das expectativas para o futuro. A perspectiva sob a qual vejo o problema da transição da cultura da guerra para uma cultura de paz - para usar a expressão de Federico Mayor - se obscureceu nos últimos anos, mas continuo otimista.

De qualquer forma, como poderia um homem da minha geração - nasci em 1917- não ser otimista? Não vimos o fim de monstros como Hitler e Stalin? Não testemunhamos a miraculosa vitória das democracias na Segunda Guerra Mundial? No final da guerra, todos nós acreditávamos que a História recomeçaria do zero, e os acontecimentos justificaram esse otimismo.

Os marcos da era incluem a fundação da Organização das Nações Unidas e da Unesco, a proclamação dos direitos do homem e a descolonização. Em termos mais gerais, houve o reconhecimento das culturas não européias, do qual derivou uma queda do eurocentrismo e da suposta desigualdade entre os povos "civilizados e os ''não-civilizados". Houve também uma redução na distância entre as classes sociais, pelo menos nos países ocidentais.

Esse progresso foi conquistado sob a ameaça da Guerra Fria. No momento da queda do Muro de Berlim, começamos a acreditar que enfim seria realizada a transição da cultura da guerra para a cultura da paz. No entanto a década que se seguiu não tomou esse rumo. Testemunhamos a persistência, e até mesmo a ampliação, dos conflitos locais, quer sejam na África, quer nos Bálcãs. Isso pode ser considerado, ainda, como um resultado da sobrevivência do passado no presente. No entanto, além da ameaça nuclear sempre presente, novas sombras apareceram: o progresso tecnológico agora torna possível guerras travadas premindo botões, semelhantes de alguma forma a um jogo eletrônico.

Sou uma das pessoas que ajudaram a formular as políticas científicas da União Européia. A ciência une os povos. Criou uma linguagem universal. Multas outras disciplinas, como a economia e a ecologia, também requerem cooperação internacional. Fico, por isso, ainda mais atônito quando percebo que os governos estão tentando criar um exército europeu como expressão da unidade da Europa. Um exército contra quem? Onde está o inimigo? Por que esse crescimento constante nos orçamentos militares, quer na Europa, quer nos Estados Unidos? Cabe às futuras gerações tomar uma posição sobre isso. Na nossa era, e isso será cada vez mais verdade no futuro, as coisas estão mudando a uma velocidade jamais vista. Vou usar um exemplo científico.

Quarenta anos atrás, o número de cientistas interessados na física de estado sólido e na tecnologia da informação não passava de umas poucas centenas. Era uma "flutuação", quando comparado às ciências como um todo. Hoje, essas disciplinas se tornaram tão importantes que têm conseqüências decisivas para a história da humanidade.

Crescimento exponencial foi registrado no número de pesquisadores envolvidos nesse setor da ciência. E um fenômeno de proporção sem precedentes, que deixou muito para trás o crescimento do budismo e do cristianismo.

Em minha mensagem às futuras gerações, gostaria de propor argumentos com o objetivo de lutar contra os sentimentos de resignação ou impotência. As recentes ciências da complexidade negam o determinismo; insistem na criatividade em todos os níveis da natureza. O futuro não é dado.

O grande historiador francês Fernand Braudel escreveu: ''Eventos são poeira". Isso é verdade? O que é um evento? Uma analogia com ''bifurcações", estudadas na física do não equilíbrio, surge imediatamente. Essas bifurcações aparecem em pontos especiais nos quais a trajetória seguida por um sistema se subdivide em ramos". Todos os ramos são possíveis, mas só um deles será seguido. No geral não se vê apenas uma bifurcação. Elas tendem a surgir em sucessão. Isso significa que até mesmo nas ciências fundamentais há um elemento temporal, narrativo, e isso constitui o "fim da certeza", o título do meu último livro. O mundo está em construção e todos podemos participar dela.

Metáforas úteis como escreveu Immanuel Wallerstein: ''É possível - possível, mas não certo - criar ou construir um mundo mais humano e igualitário, melhor ancorado no racionalismo material". Flutuações do nível microscópico decidem que ramo emergirá em cada ponto de bifurcação, e portanto que evento acontecerá. O apelo às ciências da complexidade não significa que estejamos sugerindo que as ciências humanas sejam "reduzidas" à física. Nossa empreitada não é de redução, mas de reconciliação. Conceitos introduzidos das ciências da complexidade podem servir como metáforas muito mais úteis do que o tradicional apelo a metáforas newtonianas.

As ciências da complexidade, assim, conduzem a uma metáfora que pode ser aplicada à sociedade: um evento é a aparição de uma nova estrutura social depois de uma bifurcação; flutuações São o resultado de ações individuais.

Todo evento tem uma ''microestrutura''. Tomemos um exemplo histórico a Revolução Russa de 1917. 0 fim do regime czarista poderia ter tomado diferentes formas, e o ramo seguido resultou de diversos fatores, tais como a falta de previsão do czar, a impopularidade de sua mulher, a debilidade de Kerensky, a violência de Lênin. Foi essa microestrutura, essa flutuação, que determinou o desfecho da crise e, assim, os eventos que a ela se seguiram.

Desse ponto de vista, a história é uma sucessão de bifurcações. Um exemplo fascinante de como isso transcorre é a transição da era paleolítica para a neolítica, que aconteceu praticamente no mesmo período em todo o mundo (esse fato é ainda mais surpreendente dada a longa duração da era paleolítica). A transição parece ter sido uma bifurcação ligada a uma exploração mais sistemática dos recursos minerais e vegetais. Muitos ramos emergiram dessa bifurcação: o período neolítico chinês, com sua visão cósmica, por exemplo, o neolítico egípcio, com sua confiança nos deuses, ou o ansioso período neolítico do mundo pré-colombiano.

Toda bifurcação tem beneficiários e vítimas. A transição para a era neolítica trouxe a ascensão de sociedades hierárquicas. A divisão do trabalho implicou em desigualdade. A escravidão foi estabelecida e continuou a existir até o século 19. Ainda que o faraó tivesse uma pirâmide como tumba, seu povo era enterrado em valas comuns.

O século 19, da mesma forma que o 20, apresentou uma série de bifurcações. A cada vez que novos materiais eram descobertos - carvão, petróleo ou novas formas de energia utilizável-, a sociedade se transformava. Será que não se poderia dizer que, tomadas como um todo, essas bifurcações conduziram a uma maior participação da população na cultura' e que de lá por diante as desigualdades entre as classes sociais nascidas na era neolítica começaram a diminuir?

Homem e natureza No geral, bifurcações são a um só tempo um sinal de instabilidade e um sinal de vitalidade em uma dada sociedade. Elas expressam também o desejo por uma sociedade mais justa. Mesmo fora das ciências sociais, o Ocidente preserva um espetáculo surpreendente de bifurcações sucessivas. A música e a arte, por exemplo, mudam a cada 50 anos. O homem continuamente explora novas possibilidades, concebe utopias que podem conduzi-lo a uma relação mais harmoniosa entre homem e homem e homem e natureza. E esses são temas que ressurgem constantemente nas pesquisas de opinião sobre o caráter do século 21.

A que ponto chegamos? Estou convencido de que estamos nos aproximando de uma bifurcação conectada ao progresso da tecnologia da informação e a tudo que a ela se associa como a multimídia, robótica e inteligência artificial. Essa é a "sociedade de rede", com seus sonhos de aldeia global.

Mas qual será o resultado dessa bifurcação? Em qual de seus ramos nos encontraremos? A palavra "globalização" cobre uma grande variedade de situações diferentes? E possível que os imperadores romanos já estivessem sonhando com globalização, uma cultura única dominando o mundo. A preservação do pluralismo cultural e o respeito pelo outro exigirá toda a atenção das gerações futuras. Mas há outros riscos no horizonte.

Cerca de 12 mil espécies de formigas são conhecidas hoje. Suas colônias variam de algumas centenas a muitos milhões de indivíduos. E interessante notar que o comportamento das formigas depende do tamanho da colônia. Em colônias pequenas, a formiga se comporta de forma individualista, procurando comida e a levando de volta ao ninho. Quando a colônia é grande, porém, a situação muda e a coordenação de atividades se toma essencial. Estruturas coletivas surgem espontaneamente, então, como resultado de reações autocatalíticas entre formigas que produzem trocas de informação medidas quimicamente.

Não é coincidência que nas grandes colônias de formigas ou térmites os insetos individuais se tomem cegos. O crescimento populacional transfere a iniciativa do indivíduo para a coletividade.

Por analogia, podemos nos perguntar qual será o efeito da sociedade da informação sobre nossa criatividade individual. Há vantagens óbvias nesse tipo de sociedade - basta pensar na medicina ou na economia. Mas existe informação e desinformação. Como diferenciá-las? Claramente, isso requer cada vez mais conhecimento e um senso crítico desenvolvido. O verdadeiro precisa ser distinguido do falso,o possível do impossível. O desenvolvimento da informação significa que estamos legando uma tarefa pesada às futuras gerações. Não devemos permitir que surjam novas divisões resultando da ''sociedade de redes" baseada na tecnologia da informação. Mas é preciso igualmente examinar questões mais fundamentais.

Em sentido geral será que a bifurcação reduzirá a distância entre os países ricos e os pobres? A globalização será caracterizada pela paz e democracia ou por violência, aberta ou disfarçada? Cabe às futuras gerações criar as flutuações que determinarão o rumo do evento correspondente à chegada da sociedade da informação.

Minha mensagem às futuras gerações, portanto, é de que os dados não foram lançados e que o caminho a ser percorrido depois das bifurcação ainda não foi escolhido. Estamos em um período de flutuação no qual as ações individuais continuam a ser essenciais.

Quanto mais a ciência avança, mais nos espantamos com ela. Fomos da idéia geocêntrica de um sistema solar para a heliocêntrica, e de lá para a idéia das galáxias e, por fim, para a dos múltiplos universos. Todos já ouviram falar do Big Bang. Para a ciência, não existe um evento único, e isso conduziu à idéia de que múltiplos universos podem existir. Por outro lado, o homem é até agora a única criatura viva consciente do espantoso universo que o criou e que ele, por sua vez, pode alterar. A condição humana consiste em aprender a lidar com essa ambigüidade. Minha esperança é de que as gerações futuras aprendam a conviver com o espanto e com a ambigüidade.

A cada ano, nossos químicos produzem milhares de novas substâncias, muitas das quais derivadas de produtos naturais - um exemplo da criatividade humana no seio da criatividade natural como um todo. Esse espanto nos leva a respeitar os outros. Ninguém é dono da verdade absoluta, se é que essa expressão significa alguma coisa. Acredito que Richard Tarnes esteja certo: ''A paixão mais profunda da alma ocidental é redescobrir a unidade com as raízes de seu ser''.

Essa paixão leva à afirmação prometéica do poder da razão, mas a razão pode também conduzir à alienação, a uma negação daquilo que dá valor e significado ávida. Cabe às futuras gerações construir uma nova coerência que incorpore tanto os valores humanos quanto a ciência, algo que ponha fim às profecias quanto ao ''fim da ciência'', ''fim da história" ou quanto ao advento da ''pós-humanidade''.

Estamos apenas no começo da ciência, e muito distantes do tempo em que se acreditava possível descrever todo o universo em termos de algumas poucas leis fundamentais. Encontramos o complexo e o irreversível no domínio microscópico (tal como associado às partículas elementares), no domínio macroscópico que nos cerca e no domínio da astrofísica. Cabe às futuras gerações construir uma nova ciência que incorpore todos esses aspectos, porque, por enquanto, a ciência continua em sua infância.

Da mesma forma, o fim da história poderia ser o fim das bifurcações e a realização das visões de pesadelo de Orwell ou Huxley quanto a uma sociedade atemporal que perdeu sua memória. Cabe às futuras gerações manterem-se vigilantes para garantir que isso jamais aconteça. Um sinal de esperança é o de que o interesse pela natureza e o desejo de participar da vida cultural jamais foi maior do que hoje. Não precisamos de nenhum tipo de pós-humanidade. Cabe ao homem tal qual é hoje, com seus problemas, dores e alegrias, garantir que sobreviva no futuro. A tarefa é encontrar a estreita via entre a globalização e a preservação do pluralismo cultural, entre a violência e a política, e entre a cultura da guerra e a da razão. São responsabilidades pesadas.

Uma carta às gerações futuras é sempre e necessariamente escrita de uma posição de incerteza, de uma extrapolação arriscada do passado. No entanto, continuo otimista. O papel dos pilotos britânicos foi crucial para decidir o desfecho da Segunda Guerra Mundial. Foi, para repetir uma palavra que usei com freqüência nesse texto, uma ''flutuação". Confio em que flutuações como essa surgirão sempre, para que possamos navegar seguros entre os perigos que hoje percebemos. É com essa nota de otimismo que eu gostaria de encerrar minha mensagem.

Cabe às futuras gerações construir uma nova coerência que incorpore tanto os valores humanos quanto a ciência, algo que ponha fim às profecias quanto ao ''fim da ciência'', ''fim da história'' ou até quanto ao advento da pós-humanidade.

(...)

Conta comigo, Ilya

spCIAdeDANÇA

2011-03-19T15:49:00.000-07:00

remBRANdt e modiGLIAni e um OLHar

2011-03-19T15:30:00.000-07:00

Proposta de leitura de imagem.

Rembrandt – Retrato de Jovem com Corrente de Ouro 1635
Modigliani - Chakoskaóleo sobre tela, 81 x 45 cm

Segundo Renato Brolezzi¹, o retrato nasce e se firma com o objetivo de colocar diante dos olhos do observador a complexa trama das potências do espírito daquele que é retratado.

Por meio do “Retrato de Jovem com Corrente de Ouro” de Rembrandt, podemos observar a vivacidade da figura, a luz e sombra que valoriza a expressão (chiaroscuro). Não só ilumina o que considera valioso na figura como também o faz contrastar com o fundo negro e os tons ocres de suas vestes.

Percebemos nesta obra a preocupação do artista com a verossimilhança, mas ao mesmo tempo a emoção já se faz presente de forma sutil.

O personagem olha diretamente o espectador e transmite uma certa melancolia, criando uma sensação de que a qualquer momento vai se mover ou falar.

Na obra de Modigliani, notamos a valorização da subjetividade do artista, subjetividade que não despreza o conhecimento adquirido pelas escolas, mas que o agrega em sua criação.

A influência da arte africana e das correntes artísticas daquele momento histórico: expressionismo e cubismo estão presentes em sua obra.

Observando a obra “Chakoska” vemos a figura de uma mulher sentada como se estivesse a esperar alguém ou alguma coisa, seu rosto tem aspecto de máscara, referência às tradicionais máscaras africanas. Apesar de sua expressão serena há exageros no tamanho da testa, pescoço e braços. A cabeça em formato de ovóide e seus olhos são amendoados, o que gera uma sensação de estranheza, como se a figura não fizesse parte do nosso mundo.

No período de aproximadamente 300 anos que separam Rembrandt e Modigliani podemos notar o caminho traçado pelos artistas. Transformações que se deram por questões políticas, sociais e pessoais, a necessidade do artista expressar sua arte em sua subjetividade, sua liberdade de expressão e a materialização de sua visão de mundo.

Os artistas não se limitam em sua nova visão de arte, agregam também conceitos do passado, adaptando-os conforme sua necessidade.

Na obra de Modigliani podemos observar o retorno da linha favorecendo o desenho e ampliando a percepção isolada das formas, algo que Rembrandt já não utilizava, pois desenvolvia em sua obra uma pintura com contraste de luz e sombra e a diluição dos contornos.

No detalhe da obra ao lado, podemos ver a valorização da expressão da figura por meio da diversidade de tons, definindo cada musculatura do rosto. Vale destacar também a passagem brusca dos tons claros para os escuros destacando assim o volume.

Em “Chakoska” as passagens de tons são mais sutis e podemos notar a utilização de cores escuras. Na pele podemos observar tons alaranjados e avermelhados. O fundo é perceptível, mas não há muita profundidade, dando a idéia de que a figura esteja encostada numa parede. Como dito anteriormente, Modigliani não tem compromisso com a verossimilhança, ele busca para arte a sua subjetividade. As leves deformações presentes em suas obras tornam-na característica principal de sua individualidade, assim como a emoção que suas figuras transmitem pela junção das cores, expressão e postura.

Nas transformações da arte durante os longos períodos de sua história podemos dizer que os artistas têm se aperfeiçoado em técnicas e transmitindo por meio de suas obras a visão pessoal, para que sua arte não seja a cópia do real, mas sim a sua essência materializada.

¹ Historiador de arte e professor das Faculdades de Campinas e do Masp.

modiGLIANi e sUAS FORmas

2011-03-19T15:02:00.000-07:00

Amedeo Clemente Modigliani, o mais novo dos quatro filhos de Flaminio e de Eugenia Modigliani, nasceu em 12 de julho de 1884, em Livorno (Leghorn), na Toscana. A família pertencia à burguesia judaica mais secularizada, mas devido a uma crise econômica na Itália a empresa da família abriu falência e para ajudar às despesas da casa a mãe de Modigliani começou a dar lições particulares e a fazer traduções. Modigliani cresceu num ambiente de literários e filosóficos e situações financeiras precárias.

Em 1898, Modigliani contraiu febre tifóide e o seu destino de artista lhe é revelado num mítico sonho delirante. Depois de restabelecido, abandonou a escola e estudou com o pintor Guglielmo Micheli na Academia de Arte de Livorno.

Guglielmo Micheli era artista de Livorno, ex-aluno de Giovanni Fattori, recebeu de seu mestre a paixão por paisagens e animais, principalmente bovinos e eqüinos.

Em 1902, Modigliani inscreveu-se na Scuola Libera di Nudo em Florença e tem aulas com Giovanni Fattori. Visitou museus e igrejas de Florença e estudou a arte do Renascimento.

Nas Bienais de 1903 e de 1905, viu as obras dos Impressionistas franceses, esculturas de Rodin e pinturas que se inserem na corrente do Simbolismo.

No início de 1906, o pintor foi para Paris. Instalou-se num pequeno estúdio em Montmartre e freqüentou aulas de modelo-vivo na Académie Colarossi. Conheceu Maurice Utrillo, seu amigo toda por toda a vida. No outono, trocou conhecimentos com o pintor alemão Ludwig Meidner, que o descreve como "o último boêmio autêntico".

Em 1907, o pintor Henri Doucet leva Modigliani para a casa da Rue de Delta, que o jovem médico Paul Alexandre e o irmão alugaram para apoiarem os jovens artistas.

Modigliani visitou a retrospectiva de Cézanne, que o impressionou profundamente. Os seus quadros revelam uma forte influência dos modelos Simbolistas assim como os quadros de Toulouse-Lautrec e de Edvard Munch.

Modigliani expôs seis quadros no Salon des Indépendants em 1908, incluindo 'A Judia'. Apesar da saúde débil, participa da vida boêmia e dissoluta dos artistas de Montmartre.

Modigliani pinta, em 1915, um retrato de Picasso. No ano seguinte fez muitos retratos de contemporâneos famosos.

Em 1917, pintou uma série de cerca de trinta pinturas de nus. Em abril, Modigliani conhece uma jovem de dezenove anos, Jeanne Hébuterne, que estuda na Académie Colarossi. Mudaram-se para um apartamento na Rue de la Grande Chaumière. Em 3 de dezembro, foi inaugurada a sua primeira exposição individual na Galeria de Berthe Weill. A exposição foi forçada a encerrar-se durante a inauguração, porque os seus nus foram considerados escabrosos.

Em 1919 houve apresentação de várias obras de Modigliani em exposições realizadas na Inglaterra. Foi exposto em Heale, na mostra de 'Pintura Moderna Francesa', e na Hill Gallery em Londres. Os colecionadores de arte inglesa começam a comprar os seus quadros.

Em 24 de janeiro de 1920, Modigliani morre no Charité de Paris.

um OLHar em remBRANDT

2011-03-19T06:40:00.000-07:00

Rembrandt Harmensz van Rijn

Rembrandt Harmensz van Rijn nasceu em 15 de julho de 1606 na cidade holandesa de Leyden.

Desde a infância recebeu uma excelente formação humanista, após se inscrever na universidade decidiu seguir sua vocação artística. Estudou no ateliê de Jacob Isaaksz onde adquiriu alguns conhecimentos técnicos.

Após alguns anos entrou na escola de Pieter Lastman em Amsterdã – pintor holandês que recebeu grande influência de Caravaggio.

Lastman era um artista habilidoso, educado na Itália, apresentou a Rembrandt o chiaroscuro, o uso da luz e das sombras para modelar formas e produzir efeitos dramáticos; a técnica seria central à sua arte. Em suas pinturas valorizou com luz o rosto, as mãos e os pés dos personagens.

Rembrandt não só deve à influência a esse mestre pela predileção para efeitos arrebatados e dramáticos, mas também ao amor pela representação de belos móveis, utensílios preciosos e tecidos suntuosos.

Em 1625, em parceria com o jovem artista Jan Lievens abriu um ateliê e devido sua boa relação com o marchand de quadros Endrik van Eylenburgh suas encomendas aumentaram rapidamente.

No início de 1632, mudou-se para Amsterdã, onde fez sucesso imediato com A Lição de Anatomia do Dr. Tulp.

A lição de Anatomia do Dr. Tulp – 1632, Mauritshuis, Haia

Rembrandt alojou-se com seu amigo marchand, que se tornou seu sócio e o ajudou a conseguir as muitas encomendas de retratos que o tornaram um jovem artista da moda e de vida abastada.

Em 1634, Rembrandt casou-se com a sobrinha de seu sócio, Saskia van Uylenburgh. Três filhos de Rembrandt morreram na infância, e embora um deles, Tito, tenha nascido em 1641 e sobrevivido, Saskia, a esposa de Rembrandt, viria a morrer no ano seguinte.

Mesmo assim, este foi o ano em que o artista pintou o mais celebrado de seus quadros, A Ronda Noturna e alcançou o ápice de seu sucesso público.

A Ronda Noturna, de 1642 (Rijksmuseum, Amsterdam)

A partir desse momento, a vida particular de Rembrandt tornou-se emaranhada, posto que as evidências sejam muito difíceis de interpretar.

Em 1642, o pintor empregou uma viúva, Geertge Dircx, para cuidar de Tito. Em 1649 ela o processou, por quebra de compromisso. Anos mais tarde estava em uma casa de correção, sustentada à custa de Rembrandt.

Hendrickje Stoffels foi trabalhar para Rembrandt por volta de 1647. Ela pode ter sido a causa de seu rompimento com Geertge Dricx.

Hendrickje permaneceu como governanta e amante do pintor até sua morte, em 1663. Em outubro de 1654 nasceu mais uma filha, Cornelia.

No início da década de 1650 havia deixado de ser um sucesso, mas nunca lhe faltaram clientes ricos. Foi provavelmente a má administração que o levou à falência em 1656, culminado com a venda de sua casa em 1660. Tito e Hendrickje formaram uma sociedade para empregar Rembrandt, para que os quadros não caíssem nas mãos dos credores. A família mudou-se para os arredores de Amsterdã.

Morreu em outubro de 1669.

gaL OPPido

2011-02-26T08:49:00.000-08:00

[texto extraído do site Museu Afro Brasil]

O Museu Afro Brasil, instituição da Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo, inaugura no próximo dia 26 de fevereiro a exposição Antífona de Gal Oppido. São 27 registros de rostos e corpos de intensa feminilidade produzidos como forma de retomar a discussão sobre o papel da mulher da atualidade. Cada uma das fotos apresenta mulheres com personalidades e características diferentes, traduzindo a visão do artista sobre o feminino liberto. “ A mulher que recentemente tem sua sexualidade afirmada igualitariamente perante uma sociedade até então de acento masculino, abrindo um horizonte para a compreensão dos inúmeros vínculos afetivos possíveis entre os humanos”, explica Gal.

Para conceituar este novo trabalho, e o sentido de liberdade que ele impõe, o fotógrafo mergulhou na obra do poeta Cruz e Souza, de onde emprestou o título da exposição. “Ele (Cruz e Souza) de vasta erudição dirige sua crítica para esta sociedade serpenteada pelo racismo, preconceito e discriminação, sem abandonar o seu fazer poético, donde escolhi o poema Antífona, para animar as imagens resultantes deste ensaio”, conclui.

“Forças originais, essência, graça
De carnes de mulher, delicadezas...Todo esse eflúvio, que por ondas passa
do éter nas róseas e áureas correntezas”
[Cruz e Souza, Antífona]

Fotógrafo ensaísta, Marcos Aurélio Oppido é nome marcante quando o assunto é a fotografia aplicada às áreas de artes cênicas, expressão corporal e arquitetura. Expondo desde 1981, seus trabalhos integram acervos do MASP, MAM e MIS.
Formado em arquitetura pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU/USP), em 1975, Gal inicia sua carreia aliando a fotografia ao desenho, fortalecendo-se anos depois como fotógrafo independente. Conhecido por seu trabalho extremamente autoral, explora o corpo, a efemeridade do tempo, a simbologia de objetos abandonados e a relação do homem com a matéria.

Abertura: 26 de fevereiro - Hora: 12h00
Duração: 26 de fevereiro a 17 de abril
Funcionamento: de terça a domingo, das 10 às 17 horas (permanência até às 18h)
Estacionamento: Portão 3 – Zona Azul

Entrada: Grátis
Classificação: Livre
Para maiores informações: faleconosco@museuafrobrasil.org.br
Para agendar visitas: agendamento@museuafrobrasil.org.br ou Fone: 55 11 3320-8921

SP cia de DANÇA

2011-02-01T13:24:00.000-08:00

A São Paulo Cia de Dança convida para a Palestra com o Professor, com a grande mestra de dança Inês Bogéa.

Participe!

roMAGNOlo

2011-01-31T15:25:00.000-08:00

Para os apreciadores das obras de Sérgio Romagnolo.

danÇA PAra idOSOs

2011-01-30T14:48:00.000-08:00

PROPOSTAS DE ATIVIDADES EM DANÇA

para idosos

uma homenagem à mestra renée gumiel

(RE)CONHECENDO OS MOVIMENTOS

Material necessário: Aparelho de som.
Foco: Reconhecimento da relação entre corpo e espaço, criação de movimentos estimulados por diferentes músicas e ritmos.
Descrição: Num ambiente com música, solicita-se que o grupo ande pelo espaço aleatoriamente observando tudo que está a sua volta (os objetos, parede, portas, etc), estabelecendo também uma relação com as pessoas que compartilham este mesmo lugar, olhando em seus olhos e transmitindo através do olhar “uma mensagem ou sentimento” (sem falar).
Após esta fase orienta-se o grupo (ainda caminhando) a ouvir a música e prestar atenção nas variáveis (dos sons, ritmos, etc), passados poucos minutos, orienta-se ao grupo a parar de andar e na posição em que pararem, lentamente comecem a “desenhar” esta música com o corpo (como se os movimentos pudessem traduzir o que a música está comunicando).
O desdobramento desta atividade se dará com a formação de duplas, no qual integra-se seus movimentos ao do colega, formando uma só música, aumentando aos poucos as formações em trios, sextetos, até formar um grande grupo, interagindo entre eles, no “desenho” de uma só música.

Orientações:
Música – A escolha das músicas é fundamental para o processo deste jogo, recomendam-se músicas instrumentais ou clássicas, para que atenção do idoso não se prenda à letra e sim ao estímulo do processo criativo e da sensibilidade.
Utilização dos planos – É muito importante também o incentivo para que os idosos utilizem movimentos nos diferentes planos (conforme suas condições físicas e motoras), o rompimento com a racionalização, permitindo que este possa ser conduzido ao processo de criação e uma vivência/ experimentação intensa (não há certo ou errado nas linguagens da arte).

Planos: Alto – em pé ou nas pontas do pé, Médio – com joelhos flexionados, de joelhos ou curvado, Baixo – no chão, deitado.

Concentração: Orienta-se ao grupo de idosos que estejam concentrados na atividade e fiquem atentos às instruções sem “quebrar” o jogo.

Contextualização: Para o fechamento deste jogo, é muito importante a contextualização da atividade, ou seja, que o grupo saiba qual objetivo destas ações e que possam colocar também suas experiências oriundas do jogo. Além da fundamentação gerontológica, que pode partir do contexto dos pilares do “Envelhecimento Ativo” – Saúde, Participação e Segurança (OMS-2005) ou Estatuto do Idoso – as conquistas dos direitos através da união dos idosos ligados pelo mesmo objetivo, a promoção de uma melhor qualidade de vida e a garantia do pleno exercício da cidadania.

EXPRESSÃO CORPORAL COM OBJETOS

Material: bola de borracha e aparelho de som.

Foco: Estimular a concentração e criação de movimentos em expressão corporal através de objetos.

Descrição: Em círculo pedir para que o grupo se observe, concentrando o olhar nos olhos dos demais colegas. Após alguns minutos, apresentar uma bola de borracha ao grupo e orientar o jogo, ou seja, cada participante jogará a bola ao colega sem comunicar verbalmente, apenas olhando para o outro e passando a bola sem deixá-la cair ao chão. Com a participação de todos idosos, ainda em círculo, coloca-se uma música e orienta-se que o grupo passe a bola no ritmo da música, criando uma nova forma de entregar à bola ao colega, podendo-se utilizar as variáveis de planos e formas de andar.
Para o desdobramento desta atividade, o grupo passa a bola andando pelo espaço aleatoriamente, utilizando-se de expressões corporais em variáveis de planos, criação de personagens ou apenas no “desenho corporal” da música.

Orientações:

Jogar a Bola: Orientar o grupo que ao passar a bola para o colega, relacionar o objeto como se este fosse algo muito valioso, para que o receptor possa tratá-lo também com carinho e cuidado.

Objetos: além da bola pode incluir outros objetos durante o andar aleatório, para estimular a criação nos idosos.

Música: A escolha das músicas é fundamental para o processo deste jogo, recomendam-se músicas instrumentais ou clássicas, para que atenção do idoso não se prenda à letra e sim ao estímulo do processo criativo e da sensibilidade.

Contextualização: A troca de experiências durante este processo é fundamental para o fechamento desta atividade, assim como a correlação existente no Capítulo II do Estatuto do Idoso – Do Direito à Liberdade, ao Respeito e à Dignidade.

O haPPENIng dE kaPROW

2011-01-30T08:50:00.000-08:00

Allan Kaprow (1927-2006) foi um dos primeiros artistas a atuar em happening’s no final da década de 50, influenciado pelas obras e idealizações de Pollock.

Kaprow foi um dos artistas pioneiros que influenciaram a arte contemporânea, com uso de materiais do cotidiano e a criação Happening’s - acontecimentos que levam o púbico à reflexão e vivência de momentos diferenciados e inusitados. Diferente de pinturas, esculturas e colagens, o happening não é uma arte comercial, no qual alguém possa comprá-lo e levá-lo para casa. É um acontecimento imediato, uma vivência única em lugares diversificados.

Para o artista, o happening também se torna um desafio, pois é a arte que impulsiona a exploração do espaço e o questionamento dos limites artísticos que condicionam obra e a criação.

Seu primeiro happening “18 Happening’s em 6 Partes” aconteceu em 04 de outubro de 1959 na galeria New Yorker Reuben Gallery. Três pequenas salas tinham sido criadas com paredes feitas de um quadro de madeira coberto com plástico semi-transparente. Em cada quarto, havia algumas cadeiras e uma iluminação diferenciada.

Assim que os convidados entravam na sala, recebiam um programa e três pequenos cartões grampeados. O programa explicava as instruções contidas com o desenvolvimento da ação dividido em seis partes, retratada pelo toque de um sino.

Consistiu o desempenho individual de uma série de 18 acontecimentos - em cada sala, em seis partes - para que as pessoas não fosse capazes de ver todos os acontecimentos.

O happening foi variado havendo trocas entre intérpretes; em um deles, um homem caminhava lentamente para um quarto e realizou uma série de movimentos rígidos coreografados.

Em outras partes, laranjas foram esmagadas solenemente por uma garota, outra consistia de um homem pintando uma tela, em frente ao público. Todas as performances foram acompanhadas por música em intervalos e iluminação que sofriam várias alterações.

Kaprow utilizou em sua obra a exploração dos sentidos: tato, olfato, paladar, audição e visão, uma forma de permitir a vivência e a interação completa entre seu público e sua obra.

Kaprow também idealizou o “Happening da Primavera”, no qual o público andava em um túnel escuro aos sons de latas sendo esmagadas. No transcorrer da caminhada, podiam observar homens lutando e uma menina nua. O artista idealizou esta ação estimulando a sensibilidade do público para representar alguém em pesadelos.

Happening da Primavera

pinTURA E FOtografia

2010-12-29T11:12:00.000-08:00

£eLIZ ²0¹¹

2010-12-26T07:19:00.001-08:00

joGOS TEAtrais

2010-12-26T05:06:00.000-08:00

Estes são meus registros pessoais dos Jogos Teatrais ministrados pela profª Dra. Dirce Helena Benevides no curso de especialização em Linguagens da Arte da USP.

Os jogos aqui descritos, são apenas algumas sugestões de como nós, arte educadores, podemos trabalhar esta linguagem em nossos grupos, considerando as devidas adaptações para contemplarmos suas especificidades, contribuindo assim para uma prática teatral inclusiva.

JOGO - MEMÓRIA DO LUGAR

Foco: Relação entre corpo/ espaço.
Relação e Memorização do local, pose e som.

Descrição: Os alunos devem caminhar pelo espaço aleatoriamente, explorando-o. Após um determinado tempo, todos são novamente orientados à explorar os planos (alto, médio e baixo) criando novas possibilidades para o “andar”. Foram marcados durante esta fase do exercício cinco pontos, no qual todos deveriam parar conforme a orientação da professora, criando uma pose para cada ponto e memorizando o local específico da sala em que estava, assim como os demais colegas que compartilhavam seu entorno.
Depois da memorização dos cinco pontos, conforme as orientações da professora, os alunos deveriam voltar as suas poses e locais e agregarem à pose um som diferente. Assim, para a conclusão do jogo, pequenos grupos de alunos apresentaram aos demais, os lugares e as respectivas poses e sons, ao serem orientados pela professora em qual ponto aleatório deveriam retornar.

Instrução: - Observem o espaço.
- Olhem as pessoas ao redor.
- Utilizem os planos.
- Parem! Esta é sua pose nº 01. (repete-se até a pose 05)
- Observem quem está à sua volta. Como estão? (repete-se até a pose 05)
- Andem aleatoriamente.
- Voltem à pose nº 01 e agreguem um som à ela. (repete-se aleatoriamente até a pose nº 05)

Avaliação: Podemos perceber o quanto facilita a técnica de memorização quando agregadas à referências do espaço físico e das pessoas que compartilham a cena. Mas para isso exige o treino da sensibilidade para podermos enxergar estas peculiaridades.

JOGO – PALMA COM NOME

Foco: Comunicação com o olhar.
Interagir com o grupo e memorizar o nome das pessoas.

Descrição: Formaram grupos que foram orientados a olhar para uma determinada pessoa e passar a palma (como se fosse uma bola), falando seu nome. Após alguns minutos, quando todos puderam passar a palma e se apresentado, o jogo foi alternado para ao passar a palma dizer o nome da pessoa que está recebendo.

Instrução: - Olhe nos olhos da pessoa.
- Atenção para receber a palma do colega.
- Mais rápido.
- Para quem você está passando a palma?

Avaliação: Este jogo aconteceu em um momento muito bom, já que a turma ainda não estava integrada e muitos não sabiam o nome dos colegas. Também foi uma oportunidade boa para olharmos os olhos dos colegas e com isso facilitar a comunicação.

JOGO – ESPELHO

Foco: Olhar, atenção e tempo ritmo.

Descrição: Em duplas, uma pessoa comanda os movimentos e a outra reproduz sincronicamente, como se fosse um espelho. Após um determinado tempo, as duplas invertem os papéis.

Instrução: - Olhe nos olhos do colega.
- Observem o tempo da ação/ reprodução.
- Atenção nos movimentos.

Avaliação: Jogo muito interessante, visto que a reprodução muitas vezes não é do jeito que imaginamos, precisamos de um olhar mais atencioso para quebrarmos alguns conceitos, como por exemplo “o meu lado direitos, não é o lado direito da minha imagem reproduzida, e sim o esquerdo”.

JOGO – ONDE?

Foco: Comunicar o “Onde” sem linguagem oral.

Descrição: Foram formados grupos que tinham que improvisar uma ação, sem linguagem falada, comunicando onde estavam.

Instrução: - Onde vocês estão?
- O que estão fazendo?
- Concentrem-se!

Avaliação: Muito interessante criarmos novas possibilidades de comunicação, muitas vezes não conseguimos corporalmente transmitirmos o que realmente queremos e também exploramos o universo criativo do espectador.

JOGO – PALMA COM NOME

Foco: Comunicação com o olhar.
Interagir com o grupo e memorizar o nome das pessoas.

Instrução: - Olhe nos olhos da pessoa.
- Atenção para receber a palma do colega.
- Mais rápido.
- Para quem você está passando a palma?

JOGO – O QUE ESTAMOS FAZENDO?

Foco: Comunicar uma ação utilizando a blablação ou sons.

Descrição: A turma foi dividida em grupos, cada grupo tinha que comunicar uma ação/ situação sem linguagem tradicional, criando um som ou através da técnica da blablação, após a cena os espectadores comentavam sobre a ação proposta pelo grupo.

Instrução: - Concentrem-se na ação.
- Quem são vocês?
- Onde estão?
- O que estão fazendo?

Avaliação: Este jogo foi muito relevante para a compreensão da importância do diálogo que deve existir entre público e atores (principalmente na sala de aula), visto que a interação entre ambos permite novas possibilidades criativas.

JOGO – FOCO EM GRUPO

Foco: Alternar o foco entre os grupos. Estimular a percepção.

Descrição: A turma foi orientada à caminhar pelo espaço. Após um breve aquecimento, andando, as pessoas se juntavam em duplas para conversarem, depois juntaram-se em trios, logo após o grupo crescia até restarem apenas dois grandes grupos.
Cada grupo ficou em uma extremidade da sala e deveriam manter um diálogo “interno”, cuidando para alternarem o foco entre eles, ou seja, quando um grupo estava em foco, o outro tinha que perceber em qual momento entraria para “tomar” o foco do outro.

Instrução: - Onde está o foco?
- Mantenham um diálogo!
- Fale mais alto!
- Não perca o foco!
- Alguém toma o foco!

Avaliação: Um jogo muito interessante para criar a percepção grupal, a cumplicidade entre as pessoas durante a ação.

JOGO – NÃO DEIXE A BOLA CAIR

Foco: Atenção, percepção grupal.

Descrição: A turma, andando pelo espaço aleatoriamente, deverá passar uma bola sem deixá-la cair no chão. A pessoa que pegar a bola deverá jogar de costas a bola para o grupo, caso a bola caia no chão todos devem paralisar do jeito que estiverem. Durante o jogo, todos são orientados a utilizarem-se dos planos e diferentes formas de andar. Se a bola cair no chão e alguém continuar se mexendo, esta pessoa sairá do jogo e ajudará à observar as demais pessoas que se mexem quando o jogo está paralisado.

Instrução: - Passe a bola!
- Andem mais rápido!
- Vamos, jogue a bola!
- Utilizem-se dos planos!
- Atenção, não deixem a bola cair!

Avaliação: Este jogo contribuiu muito para a percepção do funcionamento do grupo, após um determinado tempo de jogo, podemos perceber o tempo ritmo que pulsa no grupo. O olhar facilita muito essa comunicação.

JOGO – FOCO DUPLO EM CENA

Foco: Atenção e percepção dos focos existentes em uma única cena.

Descrição: A turma foi dividida em grupos, cada grupo deveria criar uma cena dividida em dois momentos que aconteciam simultaneamente e com isso estabelecerem os momentos específicos para que os focos alternassem entre as ações.

Instrução: - Passa o foco!
- Não assista a cena, você faz parte dela.
- Concentre-se na cena.

Avaliação: Neste jogo podemos perceber o quanto é importante a comunicação cênica através do olhar, para sabermos em qual momento o foco precisa ser direcionado. Ao mesmo tempo, precisamos atentarmos para não sermos espectadores, já que estamos fazendo parte da cena.

JOGO – PRODUTO REVOLUCIONÁRIO

Foco: Criação e criatividade, comunicação corporal.

Descrição: Cada participantes deverá vender um produto, convencer os outros à comprarem utilizando-se da blablação ou uma língua desconhecida.

Instrução: - Concentre-se no produto.
- Para que ele serve?
- Para quem ele é destinado?
- Utilizem-se dos gestos e expressões.

Avaliação: Muito interessante quando experimentamos da linguagem corporal para comunicarmos algo à outra pessoa. Mais interessante ainda quando acrescentamos uma linguagem inventada. Podemos observar que a intenção é um fator muito importante na comunicação. Não bastam as palavras para comunicar à intenção tem esse papel bastante eficaz, principalmente numa linguagem desconhecida.

JOGO – CONVERSAS FORA

Foco: Interagir com o colega, aquecimento.

Descrição: Caminhando pela sala, encontrar pessoas para conversar sobre qualquer assunto, primeiramente em duplas, trios e grupos maiores com dez pessoas. Estabelecer uma conversa grupal junto com exercícios de expressão corporal e alternâncias vocais em consonância com o movimento.

Instrução: - Caminhem pela sala.
- Encontrem um par.
- Estabeleçam um diálogo.
- Não parem de falar.
- Façam movimentos nos diferentes planos.
- Conversem em posições inusitadas.
- Alternem os diferentes sons da voz durante a conversa.

Avaliação: Atividade de aquecimento muito importante para estabelecer uma maior cumplicidade no grupo.

JOGO – ROUBANDO O FOCO

Foco: Roubar o foco do colega.

Descrição: A turma compondo um grande círculo atua direta ou indiretamente na cena proposta por um membro, até o colega “roubar” seu foco, dando continuidade ou não à cena proposta anteriormente.

Instrução: - Roubem o foco!
- Concentrem-se na cena!
- Atenção no que o colega está fazendo.

Avaliação: Este jogo possibilitou uma dinâmica no grupo, permitindo que este pudesse estabelecer um tempo único com a participação de todos integrantes, vezes interagindo com o público, vezes interagindo com outro colega.

JOGO – PALESTRANTE INTERNACIONAL

Foco: Improvisação, criação e cumplicidade.

Descrição: Em dupla, todos improvisaram uma cena em que havia um palestrante internacional (com uma língua desconhecida) e um tradutor. Após estabelecer os papéis, sem nenhuma combinação prévia, ambos deveriam apresentar uma cena.

Instrução: - Estabeleçam seus personagens e a função de cada um.
- Ouçam o que o colega está dizendo.
- Participem do jogo.

Avaliação: Nesta improvisação, pudemos perceber o quanto é importante ouvir a idéia do colega, para que haja uma sintonia entre a ação do palestrante e a do tradutor, que ambos possam caminhar a um desfecho comum, sem a combinação prévia.

JOGO – CENA DO SUSSURRO

Foco: Expressão Vocal, Sussurro.

Descrição: Criar uma cena improvisada em grupo, no qual todas as falas deverão ser sussurradas.

Instrução: - Sussurrem mais alto, deixem o ar escapar enquanto falam.
- Permitam que sejam vistos aos falar.
- Concentrem-se, a cena é sussurrada.

Avaliação: Este jogo mostrou a dificuldade e a necessidade do treino para a quebra de clichês da linguagem tradicional. Por exemplo: quando brigamos falamos alto, em uma cena sussurrada, no momento de briga tendemos a aumentar a voz. Também é um exercício bem relevante para sabermos que sussurrando da forma correta somos ouvidos, podendo assim usarmos mais este recurso para compormos um personagem em uma determinada cena.

conSCIÊNCia nEGRa na PINAcoteCA

2010-11-19T04:20:00.000-08:00

miLO MANAra

2010-11-15T06:54:00.000-08:00

baTE PApo com GroSS, CArmela gROSS

2010-11-01T15:46:00.000-07:00

bieNAL GRAffiti fiNE ARt

2010-08-31T06:09:00.000-07:00

sTOPmoTIOn

2010-08-30T05:21:00.000-07:00

Vídeo criado no curso de especialização em Linguagens da Arte do Centro Universitário Maria Antônia/ Universidade de São Paulo - USP na cadeira de Linguagens das Mídias Digitais sob orientação do prof° Ms. Alan Richard.

Integrantes do grupo: Alexandre Velloso, Cibele Luko, Diego Miguel e Gislaine Guerzoni.

SEMINÁRIO DE GERONTOLOGIA - ZN NA LINHA

2010-08-20T07:07:00.000-07:00

Dra. Terezinha Colaneri - Coordenadora CAS Norte, Dra. Alda Marco Antônio - Vice Prefeita de SP e Secretária SMADS, Dr. José Francisco Giannoni - Subprefeito Jaçanã/ Tremembé, Diego Miguel - Coordenador NCI Jova Rural, na mesa de abertura do evento.

Veja a cobertura completa que o site ZN na Linha fez do I Seminário de Gerontologia da região do Jaçanã/ Tremembé, evento idealizado por Diego Miguel e Daniela Nascimento Augusto, realizado pela Associação de Mulheres Amigas de Jova Rural - Núcleo de Convivência para Idosos, em parceria com a Secretaria Municipal de Assistência e Desenvolvimento Social - SMADS.

Clique aqui e confira!

Idosos do NCI Jova Rural que abriram o evento com apresentação de Musicoterapia, coordenado pela Musicoterapeuta Ana Carolina Domingos.

Conheça mais sobre o trabalho da Associação de Mulheres Amigas de Jova Rural, Clique Aqui!

arTE CONteMporânea na caSA TRIANgulo

2010-08-16T07:44:00.001-07:00

são paulo CIA DE DANÇA para IDOSOS

2010-08-16T07:28:00.001-07:00

seMINÁrio de geRONTOlogia

2010-07-09T11:19:00.000-07:00

I SEMINÁRIO DE GERONTOLOGIA

OS NOVOS PARADIGMAS DO ENVELHECIMENTO

Região Jaçanã/ Tremembé

Diante da atual transformação social e os novos paradigmas do envelhecimento, a sensibilização dos idosos, da comunidade e dos profissionais da rede socioassistencial é um dos grandes desafios para a gerontologia, visto que a condição para um envelhecimento bem sucedido envolve todos os segmentos em todas as áreas de atuação.

Considerando esta realidade a Associação de Mulheres Amigas de Jova Rural em parceria com a Coordenadoria de Assistência Social Norte - CAS Norte e Centro de Referência de Assistência Social – CRAS Jaçanã/ Tremembé, promoverão o “I Seminário de Gerontologia – Os novos paradigmas do envelhecimento”.

TEMAS:

- Os novos paradigmas de envelhecimento na sociedade contemporânea

Palestrante: Naira Dutra Lemos - Universidade Federal de São Paulo - UNIFESP/EPM

- Envelhecimento ativo – um desafio para a população idosa

Palestrante: Marília Cristina Prado Louvison - Área Técnica de Saúde Saúde da Pessoa Idosa GTAE/ Secretaria de Estado da Saúde - SES/SP

- Projeto: Com maior cuidado – preservando a independência da pessoa idosa

Palestrante: Sandra Regina Gomes - Fundacíon Mapfre/ Secretaria de Direitos Humanos - SEDH

SEMINÁRIO

Dia: 12 de agosto de 2010

Horário: 13h30 às 18h

Local: Centro Educacional Unificado - CEU Jaçanã

R: Antônio César Neto, 105 - Jaçanã

INSCRIÇÕES

Período: 14 de junho à 23 de julho de 2010

e-mail: seminariodegerontologia@gmail.com
Informações: 11 2206 3766 (com solange)
11 2249 5595 (com Diego)

Contamos com a sua participação e divulgação!

GARANTA JÁ SUA VAGA!

nelSON SCrenci em metaMORFoses

2010-06-18T06:10:00.000-07:00

"A arte é a materialização dos anseios expressivos de uma cultura."

Nelson Screnci

anGEL VIAnna em fiGURAs da daNÇA

2010-06-17T15:36:00.000-07:00

druMMond de aNDRAde

2010-06-15T06:21:00.000-07:00

Em dia de estréia do Brasil na Copa do Mundo, a estátua do grande poeta Carlos Drummond de Andrade (RJ), amanheceu com uma intervenção.

Com a camisa número 10 da seleção brasileira e um trecho de sua poesia: "Futebol se joga no estádio? Futebol se joga na praia, futebol se joga na rua, futebol se joga na alma", extraído do livro "Quando é Dia de Futebol" - Ed. Record, que se encontra nas mãos da estátua.

Devido ao episódio de vandalismo (roubo dos óculos de bronze), foram contratados seguranças para vigiá-la e garantir assim a intervenção até as 21h.

fotos de Alícia Uchôa/ Portal G1

são paULO CIA De danÇA em saLVADOR

2010-06-02T07:02:00.000-07:00

Uma das mais conceituadas companhias de dança de São Paulo estará promovendo no mês de junho uma série de atividades educativas para bailarinos e amantes da arte, no Teatro Castro Alves - Salvador/ BA.

A programação conta com a direção de Inês Bogéa e Iracity Cardoso, duas grandes referências na história da dança no Brasil.

Com certeza essa será uma oportunidade única na experimentação e vivência na Dança Contemporânea.

Se você estiver em Salvador por estes dias, Participe!

Ou se conhecer amantes desta arte na cidade, Divulgue!

a viDA TRatadA PEla ótiCA FEMInina

2010-05-26T06:14:00.000-07:00

CineclubeLGBT (Rio de Janeiro) traz em sua programação, ainda no mês de maio, curtas metragens com temas homossexuais dirigidos por cinco mulheres e após a sessão ainda rola uma grande festa com o DJ Great Guy.

Dentre os curtas selecionados vale ressaltar uma nova roupagem para o clássico Mary Poppins e o curta dirigido por Alice Nelson em comemoração ao 60° aniversário da Declaração Universal dos Direitos Humanos, Right to Privacy - curta escocês que integra o projeto: Os Dez Novos Mandamentos.

Saiba mais: www.cineclubelgbt.wordpress.com

GENTileza geRA gentILEZA

2010-05-02T10:41:00.000-07:00

amOR PALavra quE LIBErta, já diZIA O PROfeta

2010-05-02T10:10:00.002-07:00

Figura mítica do Rio, Profeta Gentileza continua vivo no imaginário popular

por Pedro Alexandre Sanches, colaborador iG Cultura 08/04/2010 15:28

São 56 escritos distribuídos pelas pilastras do viaduto do Caju, configurando um estranhíssimo ritual de boas-vindas para quem chega ao Rio de Janeiro pela rodovia Presidente Dutra, pela rodoviária Novo Rio ou pelo aeroporto do Galeão.

É certo que um profeta passou por ali, mas as pregações de cunho moral e repressivo se confundem e se misturam com uma curiosa linguagem cheia de símbolos, letras maiúsculas desenhadas em pautas verdes e amarelas, consoantes repetidas ("AMORRR", "VIVERRR", "JESSUSS") e mensagens iradas contra o capitalismo, ou melhor, o "CAPETALISMO".

GENTILEZA GERA GENTILEZA é a frase que inicia vários dos murais, terminados muitas vezes com o aviso DISSE GENTILEZA. A figura mítica do Profeta Gentileza surgiu, paradoxalmente, da tragédia do Gran Circus Norte-Americano.

Seis dias após o incêndio, José Datrino abandonou a família e o posto de dono de uma transportadora de cargas, como ele relataria mais tarde: De meio-dia a uma hora foi quando eu recebi o aviso astral de Deus de que no dia seguinte "três confirmações" eu tinha que deixar todos os meus afazeres materiais do mundo para cumprir o espiritual na Terra.

Os cabelos e a barba foram crescendo e se tornando grisalhos, uma túnica branca toda bordada de dizeres do profeta virou figurino constante, e ele passou a perambular entre os carros engarrafados no centro do Rio, de Niterói, São Gonçalo e Baixada Fluminense, depois por diversos estados do país (estão documentadas passagens de Gentileza por Paraíba, Ceará, Piauí, Maranhão, Pará, Amazonas, Rondônia, Acre, Mato Grosso, Mato Grosso do Sul, Goiás, Distrito Federal, São Paulo, Minas Gerais e Paraná).

Um senso estético muito peculiar orientava tudo o que ele produzia com a cabeça, as mãos e o corpo. Os estandartes que carregava pela rua eram enfeitados de flores, bandeiras do Brasil e cataventos coloridos. Os sapatos eram pintados de verde e amarelo e ornados com símbolos e siglas.

As mensagens, inscritas em traço sempre minucioso, não raro tornavam-se manifestos: NÃO USEM PROBLEMAS NÃO USEM POBREZA USEM AMORRR GENTILEZA, GENTILEZA É O REMÉDIO DE TODOS OS MALES AMORRR E LIBERDADE, e assim por diante.

Os conflitos, tensões e contradições da sociedade carioca (e brasileira) ganhavam representação espelhada na figura louca de um profeta andarilho que era, mais que isso, um artista.

Gentileza morreu em 1996, e em 1997 a Companhia de Limpeza Urbana cobriu os escritos com tinta cinza, numa ação que visava limpar a cidade de pichações.

Uma campanha pela reabilitação e recuperação da obra percorreu o Rio daí em diante e gerou até uma canção de protesto de Marisa Monte, "Gentileza" (2000), de versos como: apagaram tudo/ pintaram tudo de cinza/ a palavra no muro/ ficou coberta de tinta.

Tidos afinal como bens culturais, os 56 murais de Gentileza foram tombados por decreto do prefeito Luiz Paulo Conde, em 2000.

Em 2009, o ator Paulo José interpretou o profeta numa participação especial na novela global Caminho das Índias. A obra do artista que brotou de um circo em chamas foi reunida e analisada no livro UNIVVVERRSSO GENTILEZA, de Leonardo Guelman (Mundo das Ideias, 2009).

conheça mais sobre o universo do profeta no site: http://www.riocomgentileza.com.br/

arTE CIBERnética - itAÚ CULtural

2010-04-15T16:24:00.000-07:00

A partir de 17 de abril, o Itaú Cultural marca presença no metrô de São Paulo e apresenta seis obras de seu acervo de arte e tecnologia. Trabalhos de artistas como Edmond Couchot, Daniela Kutschat, Regina Silveira e Rejane Cantoni, entre outros, fazem parte da mostra.

A exposição Arte Cibernética - Acervo Itaú Cultural nasceu de uma parceria do instituto com a Companhia do Metropolitano de São Paulo. As obras convidam os usuários do metrô a interagir com a arte nas movimentadas estações do Brás, Itaquera, República, Tiradentes, Paraíso e Sé.

Exposição Arte Cibernética - Acervo Itaú Culturalsábado 17 de abril a domingo 23 de maio de 2010todos os dias das 9h às 21hnas estações Brás, Itaquera, Paraíso, República, Sé e Tiradentes do metrô.

Acesse http://www.itaucultural.org.br/ e saiba mais sobre as ações que o Itaú Cultural realiza no campo da arte tecnológica. Ou siga-nos no twitter e fique por dentro da nossa programação: twitter.com/itaucultural. Em breve, novidades sobre a próxima edição da bienal de arte e tecnologia Emoção Art.ficial, que começa em julho.

informações 11 2168 1777 atendimento@itaucultural.org.br

imagem: Descendo a Escada, de Regina Silveira Foto: Cia de foto

pintuRA PERFormática - uMA (nova) EXPERiência pARA idoSOS

2010-04-08T17:49:00.000-07:00

TÍTULO

A expressão corporal como forma de reconhecimento do corpo e movimento em oficinas de artes visuais para idosos.

INTRODUÇÃO

O aumento da expectativa de vida no Brasil, ocasionado pela admissão de hábitos saudáveis e a contribuição dos avanços tecnológicos favoreceram a oportunidade de qualidade de vida, com isso, o crescimento da população idosa é assunto de grande relevância na contemporaneidade.
Neste cenário, surgem políticas públicas voltadas à esse público com o objetivo de favorecer o envelhecimento saudável e ativo.
São programas compostos por atendimentos sócios assistenciais que além do atendimento social, cultural e à saúde visam contribuir com a preservação e prevenção da autonomia e independência, favorecendo a qualidade de vida da pessoa idosa por meio de atividades e oficinas sócio educativas.

JUSTIFICATIVA

As artes visuais, assim como as demais linguagens artísticas, proporcionam às pessoas, momentos de conhecimento, re-conhecimento, identificação e criação. Além de propor a contextualização entre os períodos, as técnicas e os conceitos pessoais e coletivos que cada obra em específico carrega em sua essência.
Pensando na grandeza das artes visuais e nos paralelos traçados entre as realidades pessoais e a realidade artística, foi proposto um Workshop de Pintura Performática em homenagem ao mês do idoso, promovido no Núcleo de Convivência para Idosos Arte de Viver (Liberdade/ São Paulo), se estendendo ao evento do Dia do Idoso promovido pela Secretaria Municipal de Assistência e Desenvolvimento Social.

OBJETIVOS

* Despertar no idoso o conhecimento e re-conhecimento do corpo e seu movimento.
* Propiciar o conhecimento básico sobre a História da Arte e os relevantes movimentos artísticos, assim como as pesquisas e vivências dos principais artistas.
* Propor a leitura do processo e das obras de Jackson Pollock.
* Estimular a emoçã o por meio dos ritmos musicais e dos movimentos, permitindo que estes sejam registrados nas obras artísticas.
* Permitir a vivência da criatividade no participante.
* Desenvolver o espírito de cooperação e o trabalho em grupo.

DESCRIÇÃO DO TRABALHO

O Workshop de Pintura Perfomática foi realizado em três momentos.
O primeiro momento foi o de reconhecimento do corpo e seu movimento através de um jogo de improvisação e expressão corporal.
Ao som da música de Chopin, os idosos andaram pelo espaço, orientados a sentir o movimento de seus pés, observando a sua postura e o movimento de seu corpo, parte a parte, observando a sua relação com o espaço. O grupo foi orientado de forma minuciosa a relacionar os movimentos cotidianos à movimentos que os levariam à uma sinestesia específica.
Trabalhando o movimento corporal nos diferentes planos e criando intenções diferenciadas, os idosos foram convidados a imaginar, ao som da música, como se através dos movimentos os corpos tingissem o espaço, com cores diferentes, inspiradas por cada intenção/ movimento.
Na segunda etapa, os idosos conheceram as obras de Jackson Pollock, assistiram um breve vídeo sobre a pintura performática e fizeram leituras das principais obras, assim como a leitura de seu processo artístico.
Ao som de Bolero de Ravel, os idosos puderam experimentar a vivência artística da pintura coletiva. Sobre uma tela com os recursos do movimento da expressão corporal, todos os participantes fizeram o registro de seu movimento.
Cada pincelada, cada “jogada” de tinta representava um determinado movimento, uma intenção e uma emoção influenciada por aquele momento, todos tiveram a oportunidade de vivenciar uma experiência com o mundo empírico.

AVALIAÇÃO

O painel pintado pelo grupo de idosos, além de muito interessante, mostra a quebra da figuração e a possibilidade de agregar novos conceitos à arte que fogem de uma narrativa, algo que remete à disponibilidade do idoso à novos conceitos, à cumplicidade e o comprometimento com o desafio.
O trabalho coletivo reforçou a autonomia individual e a autonomia do grupo, todos transitaram com sua pintura sobre a tela, com a preocupação não de apenas inserir sua marca, mas de agregá-la à marca do colega.
Aos olhos da gerontologia, algo muito importante para o fortalecimento dos vínculos sociais e da rede de suporte social para a pessoa idosa.
Após esta experiência, observando à tela, todos relataram as sensações eminentes de cada fase.
Coletivamente, o grupo concluiu que podemos estruturar as fases conforme a ordem: a primeira de reconhecimento e de sensibilidade na construção/ desenho do movimento e a beleza que ele oferece quando materializado por uma marca (a tinta).
A segunda fase, segundo o grupo, foi o momento de conhecer à técnica artística, o rompimento da pintura tradicional comprometida à técnicas da verossimilhança e a busca por uma arte pessoal, envolvida de sentimento e emoção.
A experimentação na última fase, foi algo muito interessante, assim como relatou a Sra. Aparecida – nunca imaginei brincar com a tinta, e o melhor, pintar de forma relaxada, ao som de uma boa música que envolveu meus movimentos em cada variação de ritmo, após esta vivência perdi o conceito de certo e errado na arte.
Foi um grande desafio propor algo diferente da realidade dos idosos, foi necessário buscar através da expressão corporal e jogos de improviso a cumplicidade entre os participantes, para que os conceitos da tradicional arte fosse desmistificado e se tornasse algo muito valioso para os participantes, o marco de uma vivência diferenciada, onde a racionalização não se faz presente.

* Diego Miguel, artista plástico, especializando em Arte Educação pelo Centro Universitário Maria Antônia/ USP, e pesquisador em gerontologia e arte educação para idosos. Atualmente coordena o Núcleo de Convivência para Idosos Jova Rural, serviço da Secretaria Municipal de Assistência e Desenvolvimento Social - Prefeitura de São Paulo.

soBREVIVência - uM NOVo olhAR

2010-04-08T17:21:00.000-07:00

tuDO POr amOR, série

2010-03-30T18:14:00.000-07:00

tuDO POr amOR, série

2010-03-30T18:01:00.000-07:00

TUDO POR AMOR, série

2008

diego miguel²

fiGURAS da danÇA

2010-03-07T10:12:00.000-08:00

SERVIÇO:
São Paulo Companhia de Dança
Associação Pró-Dança
Rua Três Rios, 363 - 1º andar
CEP: 01123-001 - São Paulo / SP
Tel: +55 11 3224-1380
http://www.saopaulocompanhiadedanca.art.br/

manoEL VEIga na naRA ROESler

2010-02-19T09:16:00.000-08:00

Sem título ID 1286 - manoel veiga

2010
acrílica sobre tela

105 x 180 cm

Em sua exposição de estréia na Galeria Nara Roesler, Manoel Veiga traz onze pinturas inéditas. A técnica particular do artista, influência de sua formação em engenharia eletrônica com passagem pela física, consiste em apropriar-se de fenômenos da natureza (difusão, gravidade, etc.) e usar as propriedades químicas dos pigmentos para gerar o deslocamento da tinta sobre a tela, operação sem pincel que resulta na pintura final. Com a tela deitada, utiliza pigmentos, água e pulverizador para construir fluxos, através dos quais articula relações de tempo e espaço, criando um sistema que inclui o acaso.

“Nestas novas obras, busquei minimizar as bordas da tela, tentando trazer o olho para dentro da pintura, que agora sugere uma geometria ordenadora dos movimentos fluidos internos”, explica o artista. Ao introduzir na nova série o uso de gesso acrílico de preparação de tela como matéria pictórica, Veiga alcança também surpreendente luminosidade e uma variação tonal de brancos, só possível devido ao seu processo de trabalho. No texto para a exposição, o jovem crítico Pedro França, que será o coordenador dos eventos da próxima Bienal Internacional de São Paulo, intitula a série de pinturas de MVHD (Manoel Veiga High Definition). “A tinta se espalha, as cores se destacam e o espaço se introduz por difusão. Nada de pincel, nada de pixel à vista: espaço fluido, apenas, sem unidade material constituinte, imagem de um campo de imersão sem limites”.

Ao lado de sua formação acadêmica, Manoel Veiga (1966, Recife, PE), sempre esteve próximo ao campo das artes. No início, em Recife, buscou orientação do artista Gil Vicente, além de, em 1997, estudar arte em Paris. Depois quando veio morar em São Paulo, a partir de 1998, estudou História da Arte com Rodrigo Naves e Leon Kossovitch e desenvolveu estudos técnicos com Carlos Fajardo e Nuno Ramos.

O artista realizou individuais em Recife (Fundação Joaquim Nabuco, Dumaresq Galeria, etc), Curitiba (Museu de Arte Contemporânea do Paraná), Porto Alegre (Centro Cultural Usina do Gasômetro), João Pessoa (Centro Cultural de São Francisco) e São Paulo (Paço das Artes e Espaço Virgílio), e participou de várias coletivas, ente as quais, "Action Painting Today", Galeria Dengler Und Dengler Stuttgart Alemanha, 2009, “Geração da virada – 10+1: os anos recentes da arte brasileira”, Instituto Tomie Ohtake São Paulo, 2006, Centro de Arte Marnay Marnay-Sur-Seine França, 2005, “Pintura vs. Fotografia”, Paço das Artes São Paulo, 2004, “Novas aquisições”, Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães Recife, 2004.

texto extraído do site da galeria Nara Roesler

http://www.nararoesler.com.br/exposicao_sobre/mvhd

arTE EDUcação e geRONTOlogia

2010-02-08T13:40:00.000-08:00

OFICINAS SÓCIO EDUCATIVAS PARA O IDOSO NO CONTEXTO SOCIAL

por Diego Miguel¹
Daniela Nascimento Augusto²

Os avanços científicos e tecnológicos dos últimos anos, assim como a adequação de hábitos mais saudáveis contribuíram consideravelmente para o aumento da expectativa de vida no Brasil.
Apesar do crescimento da população idosa ser algo notável em nossa sociedade, não nos preparamos previamente para tal situação, mas neste recente cenário também podemos enumerar conquistas, dentre elas a criação do Estatuto do Idoso no dia 1º de outubro de 2003, como forma de garantir os direitos do cidadão idoso em sua plenitude e compartilhar com a sociedade as necessidades de adequações.
Frequentemente ouvimos nos principais veículos de comunicação dicas de envelhecimento saudável ações previstas nas Políticas Públicas conforme prevê o capítulo V – art. 24 do Estatuto do Idoso - algo que aos poucos vai se infiltrando em nossa cultura popular, buscando contradizer os velhos mitos da tradicional imagem da velhice, desenhadas desde o imaginário infantil e alimentada na caminhada à maturidade.
No contexto do envelhecimento ativo surgem também programas de atividades voltados ao público idoso visando à promoção do envelhecimento saudável em consonância com as Políticas Públicas, universidades e iniciativa privada.
São projetos que contam na maioria das vezes com uma programação diversificada que contemplam os diversos eixos que favorecem a cidadania: saúde, cultura, lazer, educação, entre outros.
A diversidade de atividades disponíveis para o idoso buscam atender as principais características do envelhecimento, atuando na prevenção da autonomia, da saúde, garantindo a inclusão e o protagonismo social.
Este é um mercado crescente que aos poucos vêm sendo explorado por uma gama de profissionais da educação formal e não formal que optam por trabalhar com este público e que aos poucos buscam se capacitar na área da gerontologia.
Para desenvolver um trabalho que contemple os aspectos biopsicossocias do envelhecimento é necessário ter o conhecimento gerontológico, ou bastaria apenas a sensibilidade para lidar com este público?
Existem vários projetos que integram o idoso, somando saberes e ciências que favorecem o protagonismo, promoção social através de diversas oficinas, por exemplo, a de artesanato com o foco na geração de renda, oficinas de artes que fornecem novos conhecimentos e acesso à distintas culturas favorecendo a pesquisa e o conhecimento dos vários seguimentos da gerontologia.
Há oficinas também que propiciam o debate e a reflexão sobre os direitos da pessoa idosa incentivando a participação ativa na conquista de novos desafios, fortalecendo seu papel de cidadão.
As atividades físicas são geralmente as mais procuradas por este público e as que estão mais disponíveis nos projetos, variando de alongamento à yoga, o que talvez reflita o paradigma do exercício físico relacionado ao envelhecimento ativo.
Neste cenário, não muito raro, nos deparamos com oficinas e cursos que sem fundamentação reforçam o mito da ociosidade desta fase da vida, geralmente com atividades que são pré elaboradas e que não visam estimulação, favorecendo a dependência de uma liderança, limitando a criatividade, a oportunidade de reflexão e a autonomia.
Esta é uma questão para que, enquanto profissionais atuantes pela causa, possamos refletir sobre a nosso papel social, visto que trabalhamos com um público que tem suas peculiaridades e que hoje necessitam de algo muito além do mero passatempo.
A resistência de alguns profissionais para novos aprendizados, ou a possibilidade de acreditarem que dentro de suas especialidades já estão no ápice do conhecimento é um dos aspectos dificultadores para a realização de um trabalho satisfatório.
Estamos em constante aprendizado, isto é fato, a teoria e a prática estão em constantes avanços e nos proporcionam novas diretrizes.
Trabalhar com pessoas é lidar com sentimentos, emoções e culturas diferenciadas, este é o grande desafio.
Desenvolver um trabalho com um grupo específico requer que tenhamos o mínimo de conhecimento da cultura que norteia esta atmosfera, assim como o território em que atuamos, pois reconhecendo a demanda é que podemos atender as necessidades, propiciar oportunidades de transformações.
As atividades além de investigativas precisam estar preenchidas de informação, propiciando ensino de qualidade ao idoso, não reforçando os mitos do envelhecimento e sim criando oportunidades e vivências diferenciadas, que possam fortalecer o seu repertório pessoal e sua cultura.
Nosso papel social, enquanto pessoas que trabalham para pessoas, não é somente de educador e educando e sim de facilitador das trocas de conhecimentos.
Será que temos consciência da responsabilidade quando assumimos o papel de educador/ agente facilitador? Sabemos que somos os principais responsáveis por disseminar nosso conhecimento e que este é o momento de fazer valer aquilo que acreditamos e com isso criarmos expectativas de transformações?

¹ Artista Plástico, especializando em Arte Educação e Gerontologia (CEUMA/USP), coordenador do Núcleo de Convivência de Idosos Jova Rural (NCI Jova Rural).
²Terapeuta Ocupacional especialista em Gerontologia (UNIFESP/EPM), terapeuta ocupacional do Hospital Albert Einstein.

criação coletiva, 2007
técnicas mista

círculos, 2007 (M.R. 62 anos)

tetra pak, acrílica

folhas, 2007 ( Z.V. 83 anos)

cartões telefônicos, linha

sem título, 2007 (I. R., 72 anos)

material bastardo, técnica mista

Esculturas e Instalações criadas por idosos na Oficina "A Arte pelo meio-ambiente" coordenada pelo artista plástico/ arte educador Diego Miguel² no Centro de Referência da Cidadania do Idoso - CRECI@ (2007).

Todas as obras foram fundamentadas na política dos 3 R's em paralelo ao repertório artístico dos principais artistas atuantes na defesa do meio ambiente.

feLIPE frisoNI - intERVENção

2010-02-08T08:21:00.000-08:00

por Regiane Teixeira - 03/02/2010 - 20:20

O paulistano Felipe Frisoni tem 25 anos, é publicitário, gosta de tecnologia, artes e, apesar de parecer saudável, se sente doente. Ao refletir sobre os problemas da cidade, ele decidiu mostrar aos outros como vê São Paulo. Para ele, a cidade está enferma e, por conta disso, se vestiu de médico e espalhou bolsas que simulam conter sangue por diversos bairros. A intervenção urbana foi sua primeira ação artística e recebeu o nome Transfusão. A obra ganhou as ruas no fim de semana passado e continua no próximo sábado (6). “A cidade não oferece educação, saúde. A poluição, o trânsito e outros males acabam gerando uma doença na população”, diz o artista. “O povo começa a ficar com a autoestima baixa, algo que desencadeia o processo.”

Acompanhado por cinco amigos, Frisoni distribuiu cerca de 40 bolsas pelo centro da cidade, a partir do bairro de Santa Cecília. Enquanto algumas receberam molduras, outras foram colocadas em estátuas. O fotógrafo e também artista Felipe Morozini registrou a manifestação em fotos e vídeo. “Qualquer manifestação pela cidade é válida. Algumas pessoas perguntaram o que significava aquela intervenção urbana. Elas já entendiam isso.” Morozini já foi premiado em Nova York pelo site Babelgum por seu vídeo "Jardim Suspenso da Babilônia", sobre uma intervenção no Elevado Costa e Silva, o Minhocão. O curta mostra a intervenção de 28 pessoas, que pintaram com cal diferentes tipos de flores no asfalto.

Fotos: http://revistaepocasp.globo.com/Revista/Epoca/SP/1,,EMI119923-17276,00.html

Veja o video: http://www.babelgum.com/4003990/suspended-garden-babylon-map-runner-up.html

deSAFios pARA a arTE CONTEMPorânea

2010-01-02T16:04:00.000-08:00

Uma xícara de chá*

Nan-in, um mestre japonês, recebeu um professor de universidade que veio indagar a respeito do Zen.
Nan-in serviu chá. Encheu a xícara do visitante, e continuou derramando.
O professor observou a enchente até que não pôde mais se conter. “Ela já está cheia. Não cabe mais nada!”
“Como esta xícara”, disse Na-in, “você está cheio – de opiniões e especulações. Como posso lhe mostrar o Zen a menos que antes esvazie a sua xícara?”

*Stevens, Barry, Não apresse o rio (ele corre sozinho), São Paulo: Summus, 1978.

Podemos ser artistas contemporâneos se ainda carregamos vícios e preconceitos que limitam nossas possibilidades?

Comente, sua opinião irá somar com este pensamento.

ARte eduCAÇÃO

2009-12-22T09:55:00.000-08:00

Arte educação – Relações entre a arte infantil e a arte adulta*

por diego miguel

A trajetória histórica da arte educação é marcada por uma série de conquistas através dos avanços metodológicos e das pesquisas realizadas nos últimos anos.Após a criação da fotografia em 1826; muitos artistas buscaram em sua arte um aperfeiçoamento técnico que não correspondia com a expectativa de seus precedentes, a verossimilhança, eles buscavam uma maior proximidade da arte com seu cotidiano e com isso a necessidade de novos meios para torná-la viva.No início do século 20, a arte da criança começou a ser analisada por pesquisadores e artistas modernos, Matisse foi um desses artistas que defendia a arte da criança, afirmou que o artista tem que olhar o mundo com os olhos da criança. O artista não quis subestimar as técnicas dos grandes mestres, mas quis chamar a atenção à simplicidade que as crianças olham o mundo, a simplicidade das formas que basicamente são compostas por linha e cor.

Desde então muitos teóricos estudaram a arte infantil e a interação da mesma com a arte do artista adulto.

O ensino da arte tem se mostrado importante meio para essa fonte de pesquisa, que partiu desde a influência cultural que a criança atribui na arte à influência que a própria história da arte acaba exercendo no processo artístico infantil. De um lado a Escola Tradicional que acredita nos aspectos exógenos da aprendizagem tais como os valores culturais, a história da arte, as técnicas aplicadas, etc, e do outro a Escola Nova que acredita na relevância dos aspectos exógenos como a emoção, a sensibilidade, motivação e a auto expressão.

Dessas grandes correntes podemos destacar Franz Cizek (1865-1946) que além de artista foi professor da Young People Courses da Insdustrial Art School em Viena e que em turmas de meninos e meninas que variavam de 07 a 14 anos, Cizek aplicava atividades com referência na história da arte, especificamente nos movimentos impressionista, expressionista e art noveau, no qual eram trabalhados a desconstrução dos padrões acadêmicos e a expressão criativa por meio destas técnicas.

Já Viktor Lowenfeld (1903-1960), não acreditava no diálogo entre a arte infantil e adulta. Como investigador dos trabalhos artísticos realizados por crianças cegas, segue a linha novista, acreditando nos estágios de expressão conforme o desenvolvimento da criança.

Lowenfeld acreditava que a arte da criança tinha uma autonomia em relação à arte adulta, mas esta em alguns casos sofria a intervenção do adulto principalmente quando apresentava estereótipos, o que para o pesquisador tinha que ser desconstruído pelo educador, como forma de preservar a capacidade criadora da criança.

Após vários estudos realizados sobre os trabalhos da Escola Nova, percebeu-se a relação entre os fatores endógenos e exógenos no processo criativo da criança.

A Escola Contemporânea surge a partir destes conceitos, visando a relação entre os fatores internos e externos na criação artística das crianças.

A história da arte como seus conhecimentos sociais, políticos e ideológicos assim como as técnicas da diversidade de estilos artísticos são fundamentais para a aprendizagem na arte, uma vez que são contextualizados a importância de cada movimento na evolução da arte.

A arte de Topffer, artista suíço e Paul Klee, artista norte americano, foram material de estudo de pesquisadores sobre a possível relação de seus desenhos com a arte infantil.

Topffer se enaltece do trabalho infantil (lecionou arte para crianças) e dos povos primitivos, principalmente por suas características expressivas. Após sofrer problemas de visão e ter que se dedicar exclusivamente ao desenho, o artista absorve para sua arte as qualidades que observava nos desenhos da criança.Klee, por sua vez, era considerado por Robert Kudielka – crítico estudioso de suas obras – um artista que pintava sua “infância voluntariamente recuperada”, comparando sua obra “Carroça de Viajantes – 1923” com um desenho feito em sua infância, podemos observar que a temática é a mesma, mas há um aperfeiçoamento dos traços e na construção da composição, apesar das duas obras manterem a magia da infância, a vivacidade. Podemos concluir que a desconstrução dos conceitos acadêmicos levaram os artistas e críticos a se identificarem com a liberdade e simplicidade da arte infantil, livres dos parâmetros da academia no transcorrer da história da arte.

*artigo baseado no texto da Profª Dra. Rosa Iavelberg/ USP - de mesmo título

feLIZ 2010...

2009-12-20T15:24:00.000-08:00

ocupAÇÃO POr abraHAM PALATnik

2009-11-27T14:39:00.000-08:00

Do dia 3 de dezembro a 10 de janeiro de 2010, o Itaú Cultural promove a quarta edição do projeto Ocupação, dedicada ao artista visual Abraham Palatnik. Com curadoria de Aracy Amaral, a mostra reúne trabalhos e pesquisas do artista na área de arte tecnológica, além de outras obras presentes em sua trajetória.

Abraham Palatnik nasceu em Natal, Rio Grande do Norte, em 1928. Radicado no Rio de Janeiro, integrou o Grupo Frente, ao lado de Ivan Serpa, Ferreira Gullar, Mário Pedrosa, Franz Weissmann, Lygia Clark e outros. Internacionalmente considerado um dos pioneiros da arte cinética, o rigor matemático é uma constante no trabalho do artista.

A exposição faz parte do projeto Ocupação Itaú Cultural, que traz artistas referenciais em várias linguagens: artes visuais, literatura e teatro. No lançamento da exposição, o hotsite do projeto vai ao ar atualizado com o conteúdo do novo homenageado.

E aguarde: em fevereiro de 2010, a música e o legado do recifense Chico Science, criador do movimento mangue beat, ganham exposição com objetos que marcaram sua trajetória.

Objeto Cinético - 1990/99

Objeto Cinético - 1986

Comunicação Cinética - 1967

Aparelho Cinecromático - 1958

SERVIÇO:

Ocupação Abraham Palatnik

quinta 3 de dezembro de 2009 a domingo 10 de janeiro de 2010

terça a sexta 10h às 21h

sábado domingo feriado 10h às 19h

entrada franca

Veja conteúdo exclusivo sobre o artista em itaucultural.org.br/ocupação.

Itaú Cultural - Sala Itaú Cultural
Avenida Paulista 149 - Paraíso - São Paulo - SP
[próximo à estação Brigadeiro do metrô]
informações 11 2168 1777
atendimento@itaucultural.org.br

fonte - http://www.itaucultural.org.br

o AMOr não é criME, o PREconceito SIM!

2009-11-20T16:51:00.000-08:00

O site do Senado Federal está realizando uma enquete sobre a PL 122/2006.

A pergunta é: “Você é a favor da aprovação do projeto de lei (PLC 122/2006) que pune a discriminação contra homossexuais?” e os internautas podem responder sim ou não.

Devido a necessidade de criminalizar a homofobia, o PLC 122/2006 torna crime expressar qualquer opinião DISCRIMINATÓRIA ao comportamento homossexual.

O projeto de lei prevê detenção de um a três anos para quem for condenado por injúria ou intimidação ao expressar um ponto de vista moral, filosófico ou psicológico contrário aos homossexuais.

O PL 122/2006 será votado pelos senadores, seguindo para a sanção do presidente Luiz Inácio Lula da Silva, para se tornar lei.

PRECONCEITO É CRIME!

Precisamos lutar contra a exclusão, seja esta oriunda de concepções religiosas (hipócritas e egoístas) ou de ordem social (tradicionalista).

Participe e cumpra com seu papel de CIDADÃO! Vote para aprovação do projeto de lei (PLC 122/2006) que pune a discriminação contra homossexuais.

VAMOS DAR UM BASTA À VIOLÊNCIA!

Acesse: http://www.senado.gov.br/agencia/default.aspx?mob=0

QUE O AMOR POSSA VENCER NO FINAL!

as CORes de edVARD MUNch

2009-11-20T16:10:00.000-08:00

Munch (1863-1944) , artista norueguês que foi dos principais nomes do expressionismo europeu. Traduz em suas cores fortes uma temática de igual teor que atua na sensibilidade do espectador.

A arte seguindo o caminho oposto ao belo e à verossimilhança.

Puberdade (1894-95)

O beijo (1897)

Madona (1893-94)

Ciúme (1895)

O grito (1893)

Angústia (1894)

A dança da vida (1899-1900)

A voz (1893)

o foVISMO DE MAtisse

2009-11-20T16:06:00.000-08:00

O fovismo foi um movimento artístico do século XX que buscou a liberdade pictórica através da ruptura dos conceitos tradicionais da arte acadêmica.
Segundo Louis Vauxcelles[1], o fovismo nasceu e floresceu de maneira improvisada e como por acaso, mais que um movimento, é um encontro de individualidades excepcionais que se percebem unidos por afinidades como os meios de expressão utilizados e a recusa de toda a convenção acadêmica.
E foi por acaso que Matisse, o líder do movimento fovista, teve seu primeiro contato com a criação artística.
Ele trabalhava em um escritório de advocacia e enquanto se recuperava de uma doença, abriu uma caixa de tintas que sua mãe havia entregue para sua distração e a partir destas primeiras pinturas despertou seu interesse para o estudo artístico.
Em 1891, aos vinte e dois anos de idade, foi para Paris e estudou na École des Arts Décoratifs (Escola de Artes Decorativas) e no ateliê de Gustave Moreau, onde conheceu outros jovens artistas como Camoin e Manguin, futuros fovistas.
Neste período as obras impressionistas ainda sofriam o desdém de grande parte da sociedade, muitos críticos não dissimulavam sua perplexidade diante das obras de Monet e Renoir, mas para os jovens estudantes como Matisse e seus companheiros, o impressionismo já era uma arte ultrapassada, o que serviu de inspiração a estes jovens para buscarem um estilo pictórico próprio, uma pintura pura, sujeita unicamente às leis instintivas das harmonias das cores na composição das obras.

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[1] Crítico de arte da revista francesa Gil Blas.

A insPIRAÇÃO de maTISSE

2009-11-20T15:30:00.000-08:00

Moreau percebeu a tendência artística de Matisse e incentivou sua dedicação para aperfeiçoar seus meios de expressão pictórica, assim como os estudos das obras clássicas no Louvre, onde o artista passou grande parte do seu tempo estudando.
Após o período intenso de estudos, não demorou muito para sentir-se atraído pela intensidade das cores, principalmente depois da viagem que fez à Toulouse e Córsega, onde a luminosidade do mediterrâneo permitiu que sua sensibilidade artística atuasse nas paletas de cores quentes e intensas.
Matisse queria ter o domínio do uso das cores, do mínimo possível de meios para o máximo de resultados[1], com isso dedica-se ao estudo das obras de Cézanne.
Em 1899 comprou As Banhistas (Les Baigneuses/ Cézanne); estudando suas obras ele apreende que a cor pode construir os volumes, e os tons são forças que precisam encontrar equilíbrio na composição.
Como podemos observar na obra de Cézanne, O amor em gesso, há uma paleta diversificada de matizes que formam o jogo de cores que definem o volume das figuras.
Há também a presença de linhas que delimitam as formas e as pinceladas fortes que determinam o movimento presente na obra.

O amor em gesso (1884/85)

Segundo Cézanne: o olho não é suficiente, é preciso refletir, e baseado nestes conceitos Matisse não se preocupa com a reprodução fiel da imagem, mas na construção da mesma por meio das cores e da composição visual de forma harmônica.
Nesta obra Cézanne brinca com a perspectiva, criando uma profundidade inclinada que encontra a estabilidade no corpo da estátua, para este artista o equilíbrio é um dos principais fundamentos da composição visual.
A geometrização das formas e a presença do preto também são características encontradas nas obras de Matisse, como notamos em O torso de gesso, que assim como na obra de Cézanne, têm como figura principal uma escultura de gesso.

O torso de gesso (1919)

Na composição de Matisse o torso é representado ao lado de um vaso com flores, há geometrização do plano e do fundo, linhas retas que se harmonizam com a envergadura do torso criam um equilíbrio na obra.
Ao fundo podemos observar uma pintura que lembra a estampa de um tecido. Matisse tinha um verdadeiro fascínio pela cultura do Oriente, sentia-se atraído principalmente pelos tecidos, aparato também muito freqüente nas obras de Cézanne.
Nas duas obras, as figuras em gesso apontam para o lado direito, como se apontassem para a figura ao fundo. Nas duas obra há uma imagem ao fundo superior que nos remete à uma figura humana de joelhos, na obra de Cézanne, esta imagem nos lembra uma escultura, enquanto na obra de Matisse vemos claramente que a figura é uma pintura. Ambos artistas eram apaixonados pelo desafio de estruturar a forma, retratar o volume dos corpos, por meio das manchas compostas pela diversidade de matizes e tons.

A música e A dança, são obras importantes desse artista, nelas além de visualizarmos claramente o tema, conseguimos sentir o ritmo e o movimento que o artista propõe.

A música (1939)

A utilização de cores fortes e formas avantajadas são as principais características visuais destas composições.

A dança (1910)

Em La desserte, o vermelho predomina, há uma idéia de tecido que é reforçado pelos arabescos e a repetição dos mesmos, criando o efeito de estampa, nesta obra podemos observar a influência da escola de arte decorativa.

La desserte (1908)

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[1] Pizzo, E. 1969

actION PAINting

2009-10-12T15:26:00.000-07:00

Jackson Pollock, artista americano que influenciado por Max Ernst e sua 'pintura de gotejamento' (gotas de tinta que eram respingadas na tela e formavam linhas harmônicas quando escorriam) criou a técnica action painting, pintura expressionista abstrata regida pela emoção e forte expressão da ação gestual.

paLESTra - artE EDUCAÇão no contEXto soCIAL

2009-10-10T12:17:00.000-07:00

YVes klEIN & sUAs perFORMAnces

2009-10-04T18:18:00.000-07:00

Vídeo das duas performances históricas do artista inglês Yves Klein, no ano de 1960.

"Anthropometries of the Blue Period and Fire Paintings"

Em Anthropometries of the Blue mulheres pintam seus corpos de azul (azul intenso e exótico, mais tarde é patenteado como Azul Yves Klein) e ao som de violinos imprimem-no em uma grande tela.

Na performance Fire Paintings o artista imprime a silhueta das modelos nuas com um líquido inflamável depois ao fogo de um maçarico "pinta" as impressões na tela.

31º PanORAMa da aRTE BRAsileira/ MAM_SP

2009-10-04T18:14:00.000-07:00

coRDEL - INSpirado nAS PALavras de dieGO MIGuel

2009-09-06T09:49:00.000-07:00

MOMENTOS DE UM LOUCO
por Vandete Bandeira Yung - Tay

Se todos fossem
Abençoados como você
Não iamos ter que
Procurar e escolher
Alguem com bom caráter
Que traz na alma ao nascer.

Talento como o seu
É raro nesse palheiro
De gente que não insiste
Nem faz como o romeiro
Que acredita na fé
E faz render seu dinheiro.

As MOLÉCULAS tem energia
Todos precisam explorar
Quem as tem preguiçosa
Só precisa acreditar
Ou ter alguem como você
Pra lindamente incentivar.

Seu trabalho tem sentimento
Seus RABISCOS iluminados
Segundo palavra sua
Seus acervos inundados
Do amor que emerge,
Por suas mãos expressados.

RABISCO brilhante,
PINCELADA, emoção
De quem desprende
Do fundo do coração,
MOLÉCULAS vibrando
A energia sem dimensão.

"Momentos de um louco?"
Louco inteligente
Quem dera fossem Todos
Sorrindo sempre contente
Para a terceira idade
O que muito jovem não entende.

Parabéns Diego Miguel.
E obrigada.

*Vandete Bandeira Yung Tay é uma talentosa artista e cordelista, para conhecer mais sua poética acesse:
vandetepoemablogspot.com

lauRA VINci - obRAS

2009-09-06T09:10:00.000-07:00

Sem Título , 2000
mármore e pó de mármore

Máquina do Mundo - 2005
pó de mármore, correia transportadora, máquina dosadora

Mona Lisa - 2001
água e resistência elétrica medidas variadas

Ainda viva - 2007
Mármore, vidro, maçãs

Sem Título - 1997
areia e pertita

o qUE falAR SOBre a POÉTica de lauRA VINci

2009-09-04T20:02:00.000-07:00

Muito além da aflição
por Paulo Sergio Duarte - 2007

Querem o tempo aflito dos tijolos de notícias nas colunas de jornal, o mesmo das pílulas que devem lhes acordar e, depois, o das outras para lhes adormecer; o dos moto-boys, que quando buzinam já passaram cinco pelo retrovisor, o tempo inerte do engarrafamento e o tempo vil que corta o ponto dos pobres coitados que chegam atrasados.

Querem o tempo sem antes nem depois, o do instante das bolsas em Wall Street, Frankfurt, Londres e São Paulo (maldito fuso horário que lhes obriga a esperar por Tóquio e Hong Kong).

Querem o tempo cheio – feito as burras do banqueiro – das agendas sem espaço até daqui a dois anos. O tempo rápido dos jatinhos, mas que tem que esperar para decolar e pousar (ao menos aqui e nos EUA). Desejam o tempo das férias no paraíso e dos intermináveis fins-de-semana. O tempo do check-in e do check-out, doméstico ou comercial.

O freqüente, da trepada rápida com a amante, e aquele de dilatados intervalos dos indolentes coitos nas mães dos filhos. Querem sempre o tempo do burocrático “Eu te amo” – repetido a torto e a direita.

Na verdade, não amam mais nada, pois foi este tempo que escolheram que lhes ama, lhes adora e a ele se entregam como escravos, crentes que são mestres.

Pois foi sempre outro o tempo perseguido por Laura Vinci.

Em contato com os seus trabalhos experimentamos um tempo perdido, não o da memória proustiana, mas aquele que foi seqüestrado pela vida contemporânea.

Escultora, seu tempo adere à matéria mesmo que esta seja o vapor d’água. Lembro-me quando a instalação das grandes bacias que evaporavam o delicado vapor foram expostas ao lado de um Volkswagen imbecil que fazia piruetas no ar, numa Bienal de São Paulo.

Havia uma clara insensibilidade na disposição dos dois trabalhos um ao lado outro. Mas havia algo de propedêutico, éramos, sobretudo o público leigo, preparados para sermos empurrados na estupidez contemporânea.

Como a virulência de um trabalho monumental, que se apresentava literalmente como um brinquedo de parque de diversões, com suas cores fortes e seus movimentos rápidos, era apresentada ao lado de uma experiência da delicadeza? E, no entanto, o tempo de Laura passava...

Já sei que não há espaço para falar do Centro Cultural São Paulo, do Arte Cidade e da 5ª Bienal do Mercosul, nos quais o tempo se dilata transportando a matéria.

Mas esta palavra é perigosa: matéria.

Dá margem a muita abstração. Escultora, insisto, Laura trabalha com materiais. Dessa vez, não é areia nem água, são mármores e maçãs.

“Que beleza!” está escrito numa obra de Mira Schendel.

E é assim que antevejo essa instalação, pelas fotos, antes de montada. Em Mira, sempre contida no essencial, introvertida, salvo nos “Sarrafos”.

Em Laura, agora, espalhada, mas “Que beleza!”. Com cor, o branco dos “Bloquinhos” e o vermelho das maçãs, vibrando e se opondo num contraste clássico, caro aos modernos.

Mas a festa para o olhar é breve. Logo será chamado a pensar. Uma oposição visceral alimenta o encontro dos materiais e seus tempos: o mineral do mármore e o orgânico das maçãs.

Um perene – o da pedra –; outro vai apodrecer diante de nossos olhos – o da maçã.

A decrepitude acelerada do ser vivo contrasta com a impávida permanência do mineral.

Mas há a questão da forma.

É uma instalação que agrega diversas naturezas-mortas. É óbvio que essas naturezas-mortas lançadas no espaço por Laura Vinci teriam seus vínculos muito mais com Cézanne e Chardin do que com Morandi.

São muito afirmativas. A solidez é Cézanne, a afirmação é Chardin.

No Brasil, temos um passado de dignas naturezas-mortas no século 19. Poucas, mas boas, o que é essencial – mas ainda contidas nos limites da academia.

Depois esperamos muito por Guignard, assim mesmo o gênero não consegue concorrer com suas paisagens de Ouro Preto. Mas as naturezas-mortas de Laura da Vinci são volumes. Arrumadas no espaço podem vir a ter diversas configurações.

Quem dirá qual é a original? Umas estão arranjadas entre volumes de mármores e algumas poucas maçãs. As famosas maçãs de Cézanne. Outras dividem o espaço com inúmeras maçãs. Todas fazem parte de um único trabalho, mesmo que nosso olho possa discernir, aqui e ali, unidades.

Já sabemos que Laura trabalha com o tempo e todo aquele que estudou direitinho história da arte sabe que, se os modelos vivos de Cézanne sofriam com os meses de tempo de pose – e Madame Cézanne foi uma das maiores vítimas –, ao contrário da disciplina da mulher e dos amigos, a natureza não se submetia às exigências do artista: as maçãs apodreciam diante dos olhos do pintor.

É estimulante essa polarização entre o mineral e o orgânico, essa convivência entre dois extremos sobre os quais vivemos.

Mas o que permanece, não vai apodrecer, são formas construtivas.

Lembram-me páginas dos livros de Lygia Pape tomando volume, jogados no espaço, sem a sua disposição hierática sobre a parede; “Bloquinhos” entregues com todo o corpo e magia, na sua permanência e brancura, esperando por novas maçãs, estas sim, que como nós, vão passar.

Quanto às maçãs, compra-se nas feiras (já que não são pintadas).

sp arTE/ foTO

2009-09-04T18:40:00.000-07:00

Cristiano Mascaro

Paisandú

impressão s/ papel de algodão

De 10 a 13 de setembro de 2009, o 9º andar do Shopping Iguatemi sediará a terceira edição da SP-Arte/Foto, a maior feira de fotografia do país que reúne 17 excepcionais galerias de arte e mais de 100 artistas, entre jovens talentos e nomes consagrados no circuito nacional e internacional.

O conjunto das obras das galerias participantes permitirá uma visão magnífica e ampla da produção moderna e contemporânea do Brasil e do mundo representada pelos artistas: Miguel Rio Branco, Mario Cravo Neto, Caio Reisewitz, Rochelle Costi, Albano Afonso, Márcia Xavier, J.R.Duran, Claudia Jaguaribe, Cristiano Mascaro, Daniel Senise, Brigida Baltar, Cao Guimaraes, Luiz Braga, artista escolhido para representar o Brasil na Bienal de Veneza de 2009, e presenças internacionais como Neil Hammon (artista selecionado na última Bienal de Veneza), Richard Galpin, Thomas Hoepker, Martin Parr, Elliott Erwitt, Nicola Constantino e Michael Wesely, entre muitos outros.

A terceira edição da SP-Arte/Foto reflete e reforça a ascensão e a importância da fotografia dentro do mercado de arte a partir dos anos 80.

Este movimento é resultado não só do aumento pelo interesse na fotografia, mas também do esforço e trabalho que profissionais ligados ao meio estão empreendendo para promover a fotografia.

A SP-Arte/Foto conta com o suporte e patrocínio do Credit Suisse Hedging Griffo e do Shopping Iguatemi, ambos assíduos apoiadores de diversas iniciativas voltadas para a produção e divulgação da arte contemporânea brasileira.

As galerias que participam da SP-Arte/Foto 2009 são: Arte 57, H.A.P. Galeria, FASS, Galeria de Babel, Galeria Luciana Brito, Galeria Leme, Paulo Darzé Galeria de Arte, Galeria Baró Cruz, Instituto Moreira Salles, Casa Triângulo, Galeria Bergamin, Galeria Millan, Mezanino, Emma Thomas, Pequena Galeria 18, Silvia Cintra + Box 4 e Galeria Nara Roesler.

O evento é GRATUITO e acontece no 9º andar do Shopping Iguatemi, com acesso pelos elevadores centrais do Shopping.

Esperamos ver a todos os amantes e profissionais da fotografia reunidos neste grande evento que celebra a fotografia!

Entrada Gratuita

10-11 SET – 15h-21h12-

13 SET – 14h-21h

Shopping Iguatemi – São Paulo

texto extraído do site: http://www.nararoesler.com.br/feira_sobre/sp-arte-foto

o briLHO De aniSH KAPOor

2009-09-03T17:07:00.000-07:00

Anish Kapoor, artista contemporâneo de nacionalidade indiana. Nos anos 70 estudou em Londres.

Sofreu influência da Britain’s New Generation – série de exposições ocorridas em Londres na galeria Whitechapel nos anos 60 (movimento inglês que contribuiu com as discussões sobre novas propostas de tridimensionalidade).

Momento que inspirou jovens artistas à novas propostas tridimensionais, grupo denominado Britain’s New Sculpture.

Fez uma exposição individual no Brasil em 2007 no Centro Cultural Banco do Brasil intitulada Ascension.

SAUDades - pOR CLEusa sanTO

2009-08-02T08:06:00.000-07:00

Querido Diego Miguel
Espero que esteja bem
Que encontre amigos
Que te respeite também
Que tenha muito dinheiro
E nunca pouco vintém

Sinto muito sua falta
O CRECI perdeu a alegria
Pois não tem mais você
Que para todos sorria
Com carinho e respeito
Sempre com simpatia

É um grande profissional
Sempre do lado do bem
Acreditando na verdade
Pois ela é você também
Tenho certeza que um dia
Irá muito mais além

Cleusa Santo

Feliz Vida

02/08/09

Cordel escrito por Cleusa Santo como homenagem de despedida para Diego Miguel que trabalhou no Centro de Referência da Cidadania do Idoso em seus cinco anos de existência como arte educador, Coordenador das Oficinas Culturais e Técnico em Gerontologia.

Acesse também o blog da Poetisa e Atriz Cleusa Santo
http://cascordel.2u.blog.br

ocuPAÇÃO POr zé ceLSO

2009-07-30T15:31:00.000-07:00

"Uma vontade de que cada espectador pudesse vestir o Zé Celso como um parangolé. Penetrar."

No dia 30 de julho, o Itaú Cultural abre suas portas para o público mergulhar no mundo de um inventivo, ousado e vigoroso criador do teatro brasileiro.Ocupação Zé Celso apresenta conteúdo inédito do artista que, há 50 anos, imprime sua marca no teatro brasileiro, com ideias polêmicas e renovadoras.

A exposição é um grande mosaico de vídeos, fotografias, texturas, documentos, histórias e sons, construído com as referências do próprio artista e que ajudam a recriar sua história.Esse conteúdo foi cuidadosamente vasculhado e selecionado pelos curadores Marcelo Drummond e Elaine Cesar, envolvidos, há vários anos, na trajetória de José Celso Martinez Corrêa.

A exposição faz parte do projeto Ocupação Itaú Cultural, que traz artistas referenciais em várias linguagens: artes visuais, literatura e teatro. Você é convidado especial na ocupação do Itaú Cultural por Zé Celso.

Mas, assim como no teatro proposto pelo artista, esteja preparado para devorar e ser devorado - antropofagicamente.

No hotsite, lançado com a exposição, você poderá acessar conteúdo exclusivo sobre o artista e informações sobre o projeto.

Ocupação - Zé Celso

quinta 30 de julho a domingo 6 de setembro de 2009

terça a sexta 10h às 21h

sábado domingo feriado 10h às 19h

entrada franca

Itaú Cultural

Avenida Paulista 149 - Paraíso

São Paulo SP [próximo à estação Brigadeiro do metrô]

informações 11 2168 1777

sanSÃO E suA FORça

2009-07-22T18:54:00.000-07:00

sansão e sua força - diego miguel²
óleo s/ tela e cabelo

2008/09

MICHAel jackSON

2009-06-29T09:27:00.000-07:00

Parou de bater pra sempre
Seu coração traiçoeiro
Deixando todos tristes
Quase o mundo inteiro
Foi pra ultima morada
Tão cedo e tão ligeiro.

Era uma quinta feira
Quando isso aconteceu
Todos os fãs choravam
O nosso Michael morreu
O maravilhoso pop star
Tão rico e tão plebeu.

O pobre menino rico
Foi para última morada
Tomara que sua música
Lá, também seja cantada
Que todos os anjos digam
Michael Jackson camarada.

Que a terra do nunca
Ele encontre lá também
Que tenha anjos cantando
Em coro dizendo amém
Que o carreguem nos braços
Num alegre vai e vem.

Michael, esta é minha
Homenagem singela
Quero dizer pra você
Da forma mais bela
Que a morte não existe
È só uma troca de tela.

Cleusa Santo - Poetisa e Atriz

26/06/09
cascordel@yahoo.com.br

UNs falaM DE VIDa

2009-06-18T06:46:00.000-07:00

Na arte contemporânea o BELO não é uma das características imprescindíveis para julgarmos a qualidade da obra artística. Há um conjunto de "parâmetros" que devem ser considerados: da pesquisa do tema ao processo artístico - a experiência pessoal (do artista) sinestesicamente compartilhada com o público.

A quebra das barreiras e obstáculos, a experimentação diversificada de materiais e matérias, a pesquisa e a vivência permitem que o diálogo do artista com o público possam se aproximar de referenciais semelhantes, criando uma aproximação extraordinária das realidades, tornando viva a obra (seja esta matéria ou ação) e a vida.

Considerando a corrente que questiona 'quem é artista' e 'o que o torna artista', principalmente diante de algumas obras (como a citada na postagem posterior), tomamos a liberdade de ampliar este universo artístico, tranformando-o em ações que expressam e criam oportunidades de reflexões, inquietações e questionamentos, e o principal, pessoas que muito além da matéria promovem a vida, não falando da morte, mas valorizando e conscientizando a própria vida.

Marly Rodrigues e Marli são pessoas sensíveis, atuam como muitos artistas - por amor à causa, mesmo sem incentivos financeiros.

Sua arte é cuidar de cachorros de rua, zelar por sua saúde e muitas vezes na recuperação de doenças junto à especialistas, além de articularem junto a uma grande rede, novos lares para cada animalzinho com campanhas de adoção.

Os cachorros são levados para casa, onde são tratados e se habituam a conviver domesticamente. Após o período de recuperação (incluindo a vermifugação, vacinação e em alguns casos o castramento) começa a fase mais difícil, a de conscientização e sensibilização de famílias e a avaliação das mesmas para uma possível adoção responsável.

Se observarmos o processo que Habacuc utilizou na polêmica instalação e compararmos com o trabalho de pessoas como as 'Marli's' engajadas nesta imensa 'corrente' atuando pela mesma causa, a luta contra a hipocrisia das pessoas que não querem ver a realidade de muitos animais de rua, ou ainda, o sofrimento do próprio ser humano, podemos observar que ambos sensibilizam pessoas, um em sua arte valorizando a morte e o outro com um conjunto de ações que promovem a vida.

Cabe-nos saber nosso papel social diante dessas ações aqui descritas e de várias outras que se diversificam em suas temáticas.

Vale escolhermos e julgarmos o caminho que percorremos enquanto artistas/pessoas, se queremos valorizar a morte ou vida e qual destas ações podem contribuir com o modo de transmitir nossa mensagem, de forma que estas sejam claras e acessíveis a todos os públicos independente de sua cultura.

Alguns dos cachorros que estão com Marly Rodrigues aguardam pessoas sensíveis e conscientes para adoção.

Se você se interessou por alguns destes cachorros, querem conhecer outros cães disponíveis para adoção ou mais informações sobre este trabalho formidável, encaminhe um e-mail para:

marly_mr@ig.com.br

marlimor@uol.com.br

OUTros falam de MORTE

2009-06-16T13:28:00.000-07:00

Guillermo Vargas Habacuc - artista contemporâneo, um dos nomes mais comentados nos últimos anos por sua obra intitulada "Exposición nº 1".
O artista foi um dos participantes da Bienal da América Central na galeria de Honduras em 2007 e conquistou sua 'fama' internacional com uma instalação no qual aprisionou um cachorro de rua que supostamente morreu de fome e sede à vista do público.

A instalação foi inspirada na morte de um imigrante nicaragüense, Natividad Canda Mayrena de 24 anos, que foi devorado há cerca de três anos por dois cães rottweilers de uma oficina de Cartago - Costa Rica, o evento foi filmado por câmeras de TV, e segundo policiais que estavam no local não poderiam intervir atirando contra os cães porque a vítima seria atingida.

A "Exposición nº 1" possuia alguns elementos que remetiam à morte do imigrante como a gravação do hino sandinista - hino do movimento político nicaragüense tocado em ordem inversa, havia também um recipiente onde se queimaram pedras de crack e maconha, um cachorro que ganhou o nome de Natividad preso a um fio, na parede havia comida para cachorro formavam a frase "Você é o que você lê" e a representação dos vários tipos de mídia.

Em entrevista ao site G1 o artista questionado sobre os limites da arte responde com outra pergunta: "Você acredita que a exploração, a xenofobia, o ódio aos pobres e, em geral, as relações com o poder são produto da arte?" e ainda comenta: "são delirantes, reflexo de um mal-estar que tem raízes no dia-a-dia das pessoas e que se pretende fazer passar por solidariedade com os demais seres; se eu estivesse errado, não haveria tantos seres humanos e animais na indigência".

Não demorou muito para órgãos de proteção aos animais e pessoas afins se manifestarem contra ação do artista, muitas petições e abaixos assinados contra a exposição foram lançados na internet principalmente após a suposta morte do cachorro.

O artista declarou à imprensa "Natividad morreu, os meios foram cúmplices", mas não quis especificar a qual Natividad se referia.

Ninguém viu o cachorro após o terceiro dia de confinamento, não se sabe ao certo se o mesmo morreu ou foi retirado da galeria.

Juanita Bermudez representante da Galeria Códice disse em entrevista ao mesmo site: "O cão permaneceu no local por três dias, a partir das cinco da tarde da quarta-feira, 15 de agosto [de 2007]. Esteve solto o tempo inteiro no pátio interior, exceto pelas três horas que durou a mostra, e foi alimentado com comida canina que o próprio Habacuc trouxe. Surpreendentemente, ao amanhecer da sexta-feira, 17, o cão escapou passando pelas vergas de ferro da entrada principal do imóvel, enquanto o vigilante noturno que acabava de alimentá-lo limpava a calçada exterior do local".

Somos livres, enquanto artistas, para brincarmos com a vida? O que é real afinal?

Segue abaixo alguns links, a entrevista do artista à uma rádio e algumas notícias sobre este tema.

http://www.caracol.com.co/envivo/audio.asp?t=OND&EMI=COCARCOL&id=577620&txt=Exclusivo%3A+Habla+Habacuc%2C+el+artista+que+amarr%F3+y+dej%F3+morir+a+un+perro+de+la+calle+en+una+galer%EDa

http://www.aldia.cr/ad_ee/2005/noviembre/11/sucesos0.html http://coteleon.blogspot.com/2007/10/eres-lo-que-lees-homenaje-natividad.html

http://www.laprensa.com.ni/archivo/2005/noviembre/14/nacionales/nacionales-20051114-11.html

http://www.infomorelos.com/mascotas/el-caso-habacuc-y-los-rottweiler.html

Também circula pela internet uma petição para boicote na participação do artista em exposições atuais.

DEVaneios - RAINHas do ráDIO

2009-06-02T15:16:00.000-07:00

Em homenagem ao centenário da Pequena Notável, há uma forte corrente 'buscando reviver' os grandes tempos áureos.

Período de pesquisa sobre a trajetória das cantoras do rádio.

Vozes e interpretações que influenciam a nova geração.

Neste ano a temática está em alta, muitos serviços e eventos "vestem" esta roupagem como 'memories' para os velhos e 'inspiration' para os jovens.

Um convite de ilustração, remete-nos ao desafio.

Trabalhar o tema como se este fosse algo que nos faz reviver momentos saudosistas.

Alguns destes devaneios em desenho (dermatográfico s/ papel) e arte gráfica.

exPOSIÇão doCE DE SAnto - GALERia acBEU

2009-05-30T05:55:00.000-07:00

DOCE DE SANTO - o projeto que foi pensado para recortar e pontuar fragmentos de vivências da cultura popular, visando especialmente o desdobramento das pesquisas iniciadas dos artistas.

É uma exposição coletiva que toma elementos pertencentes ao imaginário religioso e artístico como fonte de sentido e significado.

Ao todo são 365 obras de arte aprisionadas em compotas (vidros de doce). Esta proposta tem voz ampla e aborda repertórios de inteligibilidade de ações que evocam passagens temporalmente construídas na relação com o outro.

São expostos alguns conceitos como duplicidade, relíquia, sagrado, profano, consumo, real, imaginário, transparência e voyeurismo.

A seleção deste projeto para a GALERIA ACBEU é uma oportunidade de apresentar ao fruidor um trabalho que vem sendo desenvolvido em ambientes de pesquisa em ateliês de artistas e ambientes afins de diversas regiões do Brasil comungando sob o olhar da fotografia todas as formas de expressão em artes visuais.

O artista DIEGO MIGUEL participa desta exposição com referências à Iemanjá, fotografias da brincadeira entre o bi/tridimensional e a perspectiva.

A exposição terá abertura para convidados no dia 05 junho de 2009 às 19h e será aberto à visitação do dia 06 a 20 de junho de 2009.

serviço -
galeria acbeu
av. sete de setembro, 1883, corredor da vitória
40080-0002 salvador bahia brasil
tel.: 71 3444 4411 fax: 71 3444 4449
www.acbeubahia.org.br

OCUPação pOR NElson leiRNER

2009-05-23T18:03:00.000-07:00

No dia 28 de maio, o Itaú Cultural expõe quatro obras fundamentais da trajetória de Nelson Leirner, criadas na década de 1960, além de trabalhos inéditos que dialogam com essas produções.

Por mais de 20 anos, Leirner participou do processo de formação de toda uma geração de artistas, que, semelhante a ele, tem reconhecimento nacional e internacional.

Atualmente, permanece como farol para sua classe ao continuar criando e explorando as fronteiras entre a representação popular e a arte consagrada.

A exposição faz parte do projeto Ocupação do Itaú Cultural, que traz artistas referenciais em várias linguagens: artes visuais, literatura, teatro.

A próxima edição será protagonizada por Zé Celso Martinez Corrêa, um dos encenadores mais abertos a ideias ousadas e renovadoras da linguagem teatral.

Em 2006, o Itaú Cultural lançou a primeira semente do que hoje é o Ocupação, com a exposição Maldito Vírgula Fundamental. Nela, vida e obra do músico Itamar Assumpção foram apresentadas, além do lançamento do songbook Pretobrás - Por que que Não Pensei Nisso Antes?, organizado por Luiz Chagas e Mônica Tarantino, que reúne parte da produção do artista popular.

A ideia amadureceu e, agora, ganha corpo com a primeira exposição. Você está convidado a presenciar a ocupação do Itaú Cultural por um dos nomes mais importantes da arte contemporânea, com curadoria de Agnaldo Farias. No hotsite, lançado em conjunto com a exposição, você poderá acessar conteúdo exclusivo sobre o artista e informações sobre o projeto.

Aguarde!

SERVIÇO -

Ocupação - Nelson Leirner

quinta 28 de maio a domingo 28 de junho

terça a sexta 10h às 21h

sábado domingo feriado 10h às 19h

entrada franca

Itaú Cultural Avenida Paulista 149 - Paraíso - São Paulo SP

[próximo à estação Brigadeiro do metrô]

informações 11 2168 1777 atendimento@itaucultural.org.br

viK MUNiz - denTRO DOs COnceitOS da pinTURa

2009-05-17T09:43:00.000-07:00

Na contemporaneidade um dos grandes desafios é a experimentação artística.

O inventar e o reinventar da ARTE.

A forma de vermos e encararmos o "belo", mesmo já não sendo o "belo" o ideal para o artista contemporâneo, mas o valor reflexivo.

A AÇÃO torna-se parte da obra, assim como preliminarmente a IDÉIA (estudos) e a BUSCA de materiais diversos.

VIK MUNIZ, artista brasileiro hoje radicado em Nova York, é um grande exemplo da ATUAL era artística.

Pinturas com materiais diversos tais como: brinquedos de plástico, geléia, pasta de amendoim, chocolate ou açúcar SOBRE TELA...

São pinturas? O que é pintura senão colorir uma superfície sobre um suporte?

Tinta é pigmento, corantes sejam químicos ou naturais, mas porque não podemos considerar tinta tudo que é colorido e que na sua junção pode "pintar" uma figura sobre o suporte?

Vick Muniz utiliza brinquedos de plástico para pintar um auto retrato em expressão dramática e açúcar para interpretar crianças pobres. Parece ironia a dualidade entre figura e pigmento...

Que tal a Monalisa de Leonardo da Vinci feita de geléia ou manteiga de amendoim?

Freud e Pollock feitos de calda de chocolate.

A obra "Narciso" de Caravaggio também ganha sua interpretação contemporânea...

Assim como o pop Andy Warhol, Liz Taylor e Monroe ganham sua versão.

coiSAS quE FAço

2009-05-14T17:02:00.000-07:00

[NOs momENTos DE téDIO]

O tempo não passa.

As palavras se perdem,

Os olhos sedentos se fixam numa 'vítima', as mãos procuram sentí-la...

O que seria de mim (e do meu precioso tempo) se não fosse a tentativa de descobrir algo?

Passa tempo,

Tempo passa,

Pensamentos que voam longe

E gestos que os traduzem em LINHAS...

'palavras' aleatórias...

buscam um equilíbrio numa folha qualquer de papel.

Não precisa ser desenhista para desenhar, isso é óbvio. Basta ter um lápis (ou caneta) na mão e voltar-se para DENTRO.

Os desenhos são LINHAS que expressam 'algo do interior', é a essência materializada.

Pensamentos que divagam, criam-se personagens e situações... Algo aconteceu!

"..., o tempo também devora as palavras, e se não estivermos atentos a esta morte, podemos perder mais uma vez, preciosos atalhos..."
Márcia Tiburi

GRAvuraS reCENtes de TOMIE ohtaKE

2009-03-28T06:07:00.000-07:00

A exposição das Gravuras criadas em 2008/ 2009 por Tomie Ohtake pode ser conferida no

Instituto Tomie Ohtake

Av. Faria Lima, 201 - Pinheiros

Fone: 11-2245-1900